@Since 2006:音樂學習、器材使用心得筆記,範圍包含:音樂理論、吉他、鍵盤、MIDI、編曲、音樂製作 … 等技術層次議題,內容深淺不一,僅是個人學習的心得筆記、想法,非教學,歡迎同好交流指教。文圖除非註明轉載、出處,否則均由 Rick KY Hwang (瑞克) 撰寫、繪製,未經允許,請勿私自以各種方式捷取、轉載。如有任何不當引用圖文,還請告知

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2014/09/27

[已搬移] 概述『和聲分析』演算法


Updated 2023/03/02: 本文不再維護,已搬移到 新位址 



下面這段影片介紹了一個分析和弦的工具,跟『科技與音樂』一文介紹的東西其實是類似的技術。



我曾經寫過一個小程式,目的是用來歌曲分析,當時也有做過類似的事情。最近也有朋友問我想關的問題,我把當時寫『和弦分析』程式的一些方法記錄下來給有興趣的人參考。

這個程式的主要目的用來幫忙找歌曲的調性跟和弦,雖然是描述一個『程式』,不過音樂上的思考過程,基本上還是要具備基礎的樂理知識,反而不會提到太多的程式設計的概念。

這段文字除了是在描述程式設計的和聲分析方法,其實也是在描述一般樂手『採譜』的基本概念。


※ 版權所有,謝絕轉載,請尊重著作權法 ※



要寫這種工具,要做幾件事情,分兩個部分:音頻分析和聲分析。本文著重的描述是第二個部分,第一部分偏向數位訊號處理 (DSP) 應用


和聲分析我是假設用 MIDI SMF (Standard MIDI Files) 當作輸入,而不是 Digital Audio (像是 MP3、WAVE),如此可以省去音頻分析部分。步驟如下:


一、建立基本定義資料庫

  • 定義音名 Notation 以及表示法 (Expression),像是 CDEFGAB 以及八度音表示法、升降記號,像是 A1、C6、C#3 ... 等,這邊的數字表示第幾個八度音。
  • 音程關係 Interval、數字系統 (Numbered)
  • 調性定義:大調音階、小調音階、其他音階的音程關係,就是音階基礎描述的東西。
  • 和弦屬性:大和弦、小和弦、增和弦、減和弦、七和弦系列、延伸和弦 ... 等。大概就是和弦基礎描述的東西。
  • 順階和弦與和弦功能:順階和弦的運算函式、定義主和弦、下屬和弦、屬和弦


二、和弦辨識函式

在這之前,必須具備的條件就是,已經知道歌曲的速度、小節數、每個小節裡用到哪一些音符,但是不知道和弦、調性等。這部分都是屬於音頻分析的範疇。
在步驟一描述的,都是定義,也就是分析前需要知道的,根據音頻分析的結果,知道音符的定義名稱,像是:第五小節有音符 A4、C3、D4 等音符,這些音符個別有自己的音符長度 (Duration)、甚至是分析出強弱 (Velocity、CC#7)、各種演奏表情 (Expressions)。所以最方便的方法,就是直接用 MIDI 的 SMF (Standard MIDI Files) 分析。

基本的功能就是:輸入一堆音名,找出『可能的』和弦名稱,基本的步驟如下:
  1. 把這些音符全部放在一個八度音之內,找出他們的音程關係。例如找到一堆音符是:A3 C
  2. 根據上一步驟找出根音、三度音、五度音,影片中 (00:15) 顯示百分比大概就是這段。   實際上編曲越複雜的歌曲,所輸入的音符往往會超過一般和弦的定義,也就是, 我們聽到一小節裡面,同時會包含旋律 + 和弦 + 其他經過音/插音 (ex: 弦樂), 或者節奏樂器的噪音。如果分析的歌曲對象是單一樂器獨奏,則準確性則會高很多。
  3. 根據上一步驟的結果,判定和弦屬性是:大和弦、小和弦、減和弦、or 增和弦
  4. 找出七度音 (如果有的話), 再根據 (2.2) 的結果, 判定七和弦屬性.
  5. 找出其他的延伸音 Tension Notes or 4th, 6th.


三、調性與順階和弦分析

在 (二) 已經找出了所有的和弦名稱、和弦屬性,接下來就是要根據這些和弦分析出調性、和弦功能。
  1. 找出屬和弦,用來定義終止式。結果可能會有多個,如果兩個以上,就可能有用到次屬和弦
  2. 根據前步驟的結果,往下一小節找一級和弦,判斷調性。直到下一個屬和弦,標記調性區間。例如前八小節為 C 大調,後八小結為 F 大調。
  3. 接續上步驟結果,找出這些區間的其他和弦。標記順階和非順階的和弦。

到這裡,一首歌的輪廓差不多已經出來了。


四、和聲分析

(三) 的結果取得調性、順階和弦,接下來分析的就多了:
  • 分析 Bass Line
  • 分析調外和弦 (Outside)
  • 分析延伸和弦、Tension Notes
  • 分析次屬和弦
  • 分析和弦進行
  • 分析調式音階

這段也是最複雜的,要知道很多和聲理論,特別是 Jazz 和聲。



上述的四個步驟姑且可以稱為和弦分析的演算法,不過只是最基本的而已。我當時在寫 『調、調式與轉調』、『關係和弦?』 等文章,其實就是在寫這段分析的 code。



※ 版權所有,謝絕轉載,請尊重著作權法 ※


音頻分析

處理的是 Digital Audio Data ,像是 MP3、PCM (Wav)、Aiff 等格式。單一樂器的錄音,辨識度越高,可以做精準的分析;復音的音樂,也就是兩種樂器以上混音的音樂,像是有鼓、鋼琴、吉他等,辨識度越低。


分析重點:節奏、音符,也就是頻率分析,單一樂器可以分析音色、噪音部分。

頻率分析就是根據『樂器音階頻率表』的定義,分析出目前的音是哪一個。不過必須仰賴數學方法來分析,以 CD 音質 44.1 kHz / 16bit 的規格,每秒的資料有 44.1k 筆,在分析上每秒會同時有很多頻率 (如下圖),要分析出有哪一些音以及他們的比率關係,辨識出音符。



實際上辨識出『什麼是一個音』、『一個音的長度』、『同時間是否還有其他音』、『音色』、『表情』是不容易的,大部份會用硬體 DSP Chip 處理。軟體處理也是可以,但是 CPU 必須有對應的運算能力。

要做這種軟體,通常都會利用寫濾波器 (Filter) 做過濾,把不需要的部分,像是噪音、高低頻、利用 Compressor 強調重音、弱化噪音等技巧,達到分析『音符』的效果。


節奏部分,第一段其實都沒有提到,因為我是假設這段已經做好了。不過實際上是有難度的。因為要分析出『拍子』在什麼地方,如果是有明顯拍子的音樂,像是爵士鼓,還可以依照波型的強度、動態分析拍點,然後再計算出歌曲的速度。


『音頻分析』是不容易的,特別是複音音樂。


上述的分析,其實在『影像』處理是一樣的概念,現在智慧型手機都有內建一些濾鏡功能,可以動態加強某一些顏色、白平衡、動態、降雜訊等,意義上和這邊提到的濾波器 Filter 是一樣的,同時也都是用 DSP 在運算。



------- Copyright © 2014 Rick KY Hwang All rights reserved -------



以前很多人會問關於『Wave to MIDI』或者有沒有工具可以『MP3 轉 MIDI』這類的問題。這問題跟用電腦做翻譯是類似的,通常我的答案都是:『不行。有也只能轉單一樂器的,而且結果大多不盡人意。』

這幾年隨著『Big Data』興起,分散式運算以及人工智慧的發展,這類分析應用越來越可行,這幾年常見的像是 iPhone 上的 Siri、Facebook 的人臉辨識、指紋辨識、Google 的翻譯 ... 等。人工智慧越來越成熟、運算能力越來越強大,未來或許能夠將 MP3 分析的精準,然後產生出很漂亮的 MIDI。

不過對於一個樂手、音樂家而言,耳朵和腦袋,才是最強的分析工具。這些東西目前為止都還是輔助性質的。


後記:朋友介紹一個日本人寫的工具 "WaveTone" 可以做歌曲的分析,大概使用後,對於現在 "音頻分析" 技術的成熟,有很大的改觀。以前可能不容易做到,現在已經不難做到了。



關於我寫得小程式,其實後來沒完成,大概只做出一個工具而已。就是可以計算各種音階,取得音符的資訊。我沒有打包成執行檔,放在 github 有興趣可以參考。截一些圖如下

計算各調的音階,可以依據根音排列,像是五度圈或者半音階。

根據音程計算各種音階

計算五聲音階系統的音階

取得音符資訊,分 MIDI 和自然音符兩種

取得自然音資訊


延伸閱讀 (站內)
  1. 音樂科技概論
  2. 音階基礎
  3. 和弦基礎
  4. 關係和弦
  5. 樂器音階頻率表
  6. 調、調式與轉調
  7. 基礎聲學與數位音樂製作
  8. Digital Audio System
參考資料 (站外)
  1. MIDI Standard Files
  2. CD Digital Audio (Wiki)
  3. 什麼是 FM 合成技術?
更新紀錄
  • 20140924:初版

2010/03/27

[已搬移] 卡農進行 (Canon Chord Progression)


Updated 2021/09/12: 本文不再維護,已搬移到 新位址

卡農 (Canon) 是一種譜曲的技巧, 利用對位法 (複格) 重複的特性, 利用同樣的音符, 不斷的重疊出很有層次的旋律, 造就越聽越好聽, 而且越聽越優美的特性.


應用這種技巧最有名的大概就是帕海貝爾 (Pachelbel) D 大調卡農, 還有重新詮釋這首曲子的音樂家們:
  1. Pachelbel Canon in D Major (弦樂版)
  2. George Winston - Variations on the Canon by Pachelbel: 喬治溫斯頓 四季鋼琴專輯中, 改編的帕海貝爾卡農鋼琴變奏曲
  3.  Rock Canon (Listen): 台灣吉他手JerryC 重新改編的
  4.  Aphrodite's Child - Rain and tears: 另外一首用卡農技巧的經典歌曲.

帕海貝爾 D 大調卡農從電影 "我的野蠻女友" 之中以插曲出現之後, 然後台灣的吉他手 JerryC 改編成 Rock Canon, 使的這首本來就很紅的歌, 又更紅了.


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不過這邊我想聊的是關於帕海貝爾 D 大調卡農 (本文以 "卡農"  表示此曲) 和弦進行應用, 網路上很多人管他叫黃金八級, 不過我個人習慣借用卡農這首歌的知名度來稱呼這組和弦進行 - 卡農進行 (Canon Chord Progression).

在流行歌曲當中, 不管是中文或者西洋歌曲, 因為應用卡農進行的歌曲甚多, 特別是 Ballad (敘事) 曲. 所以我個人覺得這組和弦進行有必要特別整理討論它的各種常見的應用模式. (不常見的不表示沒有 or 不行.)


為了方便解釋, 還是用 C 大調來說明這組和弦進行:


卡農進行基本形
| 1 | 5 | 6m | 3m | 4 | 1 | 2m | 5 |

舉例:
| C / / / | G / / / | Am / / / | Em / / / |
| F / / / | C / / / | Dm / / / | G / / / |


這組進行, 只用到基本大調順階三和弦的一到六級, 直接彈就已經很好聽了, 而且有帕海貝爾卡農的感覺, 是直接用來套歌曲 (採譜), 寫歌很好的參考樣式 (Pattern).


基本應用一: 增加降冪 Bass Line

| 1 | 5/7 | 6m | 3m/5 | 4 | 1/3 | 2m | 5 |

舉例:
| C / / / | G/B / / / | Am / / / | Em/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm / / / | G / / / |

這是最常用的變化, 很多歌曲都會出現這種組合. 剛好這一組和弦進行增加降冪使用到的音, 都是和弦內音, 所以合諧度很高. 除了保留和弦進行本身的效果, 同時增加了低音的層次感.


基本應用二: 把順階三和弦換成順階七和弦

三和弦: | 1 | 5 | 6m | 3m | 4 | 1 | 2m | 5 |
七和弦: | 1M7 | 57 | 6m7 | 3m7 | 4M7 | 1M7 | 2m7 | 57 |

舉例:
| CM7 / / / | G7 / / / | Am7 / / / | Em7 / / / |
| FM7 / / / | CM7 / / / | Dm7 / / / | G7 / / / |


很基本的應用, 通常應用在改編成鋼琴版 or 吉他版, 不插電 (Unplugged) 會很常見這樣的例子.


基本應用三: 順階七和弦和順階 Bass Line 搭配而改變的和弦代換

基本形: | 1 | 57    | 6m | 3m    | 4 | 1M7 | 2m | 5 |
變化一: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 3m7 | 2m | 5 |
變化二: | 1 | 3m7/7 | 6m | 3m7/5 | 4 | 3m7 | 2m | 5 |
  • 3m7/7 (3572) 替換原本的 57 (5724), "替換" 不像 TSD 代理那樣, 要考慮 TSD 的功能性, 這邊指是純粹用來代換, 製造出新的和弦進行.
  • 3m7 (3572) 代換 1M7 (1357): 這就是很明確的功能 TDS 代換
  • 6m7/5 維持 6m 同時增加了把六級的七度音當根音用. 有時候 6m7/5 也可直接改成 3m7/5
舉例:

| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | Em7 / / / | Dm / / / | G / / / |



基本應用四: 其他 TSD 代換

參考形: | 1 | 57 | 6m | 3m/5 | 4   | 1M7 | 2m | 5 |
代換後: | 1 | 57 | 6m | 3m/5 | 2m7 | 3m7 | 4  | 5 |

這可以換的就很多了, 這裡舉的例子是最常見的, 後四小節本來聽起來是降冪的, 變成升冪的感覺. 其中 2m 代 4, 3m7 代 1M7, 4 代 2m 應該不難理解. 基本觀念可以參考 "TDS 和聲代換" 的說明.


基本應用五: 經過和弦 / 改變拍點

基本形: | 1 | 5/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m | 5 |

我們提到這個基本形的時候, 並沒有特別去強調和弦的位置和拍子的關係, 但是當同樣的組合, 當每小節有兩個和弦時 (通常是慢歌), 我們做一個拍子上的位置變化, 改成如下:

原本和弦位置: | 1 / 5/7 / | 6m / 6m7/5 / | 4  / 1/3 / | 2m / 5 / |
改變和弦位置: | 1 / / 5/7 | 6m / / 6m7/5 | 4  / / 1/3 | 2m / / 5 |


把每小節第三拍的和弦改在第四拍彈, 當成經過和弦使用.


接下來的部份是稍微用了一些和聲技巧的應用, 雖然說進階, 實際上提到的應用, 也都是很常見的應用技巧.


進階應用一 - Line Cliches

參考形: | 1 | 5/7 | 6m | 6m/5  | 4   | 1/3    | 2m    | 5 |
應用一: | 1 | 5/7 | b7 | 6m    | 4   | 1/3    | 2m    | 5 |
應用二: | 1 | 5/7 | 6m | 6m7/5 | 2m7 | 2m7/#1 | 2m7/1 | 5 |

參考任一組基本應用的原形或者是代換結果, 將前四小節或者後四小節用 Line Cliches 這種技巧取代.

另外一點可以思考的就是, line cliches 這種技巧,  不是只有在低音做半音變化, 也可以在其他地方做半音變化, 像是高音的部份.

更多關於 Line Cliches 相關請參考 "掛留和弦 (Suspended Chord)" 一文的說明.


進階應用二 - 次屬和弦 (Secondary Dominant)

上述提及的基本應用的進行, 都可以這樣套, 例如:

次屬和弦代換: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m 2/#4 | 5 |

舉例:
| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm7 / D/F# / | G / / / |


進階應用三 - 調式內轉 (Modal Interchange)

同樣的, 上述提及的基本應用的進行, 都可以這樣套, 例如:

代換一: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m7-5 | 5 |
代換二: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | b6    | b7 |
代換三: | 1 | b7    | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m |  5 |

舉例一:
| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm7-5 / / / | G / / / |

舉例二:
| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Ab / / / | Bb / / / |

舉例三:
| C / / / | Bb / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm / / / | G / / / |

例二, 三都是直接改編和弦進行的方式, 原則就是直接藉用小調的和弦進行. 這兩個例子在流行歌曲裡面都是很好用的編曲技巧.


其他應用 - 加入裝飾和弦

裝飾和弦包含了:
  1. 掛留和弦 (Suspended Chord, Xsus4, Xsus2, X7sus4, X7sus2 ... etc)
  2. 附加九和弦 (Added 9th Chord, Xadd9)
  3. 六九和弦 (X6/9)
  4. Slash Chord: F/G = Fadd9, G/F = G7
這就很多了, 常會和順階七和弦並用.


這些類似的應用我相信歌曲彈到一定數量的朋友, 一定都很熟析. 而且有很多各式各樣的應用變化. 我這邊只是把他們整理成比較有系統的分析而已. 而且這些應用, 有些可以交叉使用, 搭配一些轉調的技巧, 變化就很多了..

其他還有很多是在編曲的時候利用技術的方式來應用, 那又會更豐富了.

如同『藍調』12 小節的和弦進行。如果每次溝通都要說『12 小節進行』其實很詭異,倒不如直接用個有意義的名稱代表。『藍調』就是這個和弦進行的名稱、代表、感覺。表演的時候通常只會說『B Blues』,不會說『B Key, 1141 1144 5411』進行,說完大概黑掉了。。。

以後的表演,只要 Band Leader 說『A 卡農』,然後大家就開始 Jam ,那這篇文章就成功了 XDD


其實不只卡農進行, 其他出現頻率也很高的和弦進行, 像是 1645, 1625, 6415, 1564, 251 ... 等 ... 不管是中文歌曲, 還是西洋歌曲當中, 出現頻率也是異常高. 同樣的在應用上, 也可以參考本文的一些和聲技巧, 做變化, 然後加上段落轉調變化, 基本上歌曲就很豐富了.

1645 or 1625, C 大調就是 C Am F G or C Am Dm G, 是台灣一般初學吉他會學的. 另外 6415 和 1564 在國外的一些流行歌則是出現頻率異常的高, 6415 較常出現在流行搖滾, 1564 則是一般抒情歌. Youtube 有一段很有名的 4 Chords Song 就是 1564 進行.

因為上述這些和弦進行出現頻率很高, 所以在學習上, 我也把他列入基本功的範疇, 在 吉他基本功 也有特別列出這些進行. 在練習歌曲時, 也要盡量學習試著分析, 只要歌曲的數量夠多, 這些和弦進行就容易被注意到, 進而加速學習的效果. 在 怎樣練一首歌 也提到, 除了掌握技巧, 也要了解和弦進行和旋律的關係. 如此, 才能更有效率的學習, 享受音樂.


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我個人第一次聽卡農曲是國小聽國內的音樂家 - 賴英里長笛專輯中一首 Rain and Tears, 歌曲就是改編著名的經典老歌 Aphrodite's Child - Rain and tears.那時候只是單純覺得這歌好優美, 越聽越好聽.

等到開始學吉他之後, 漸漸的發現一些流行歌曲當中的和弦次序 (那時候還不懂啥叫和弦進行, 也不懂調性的概念, 不過已經可以直接聽出調姓的特徵) 和這首 Rain and Tears 根本就是差不多. 而且很多時候都一模一樣, 直接套上去就好. 久了之後, 這就變成一個常用的模式 (Pattern).


玩音樂一段時間, 大家都會發現, 卡農進行出現的頻率是流行音樂中最高的. 因為它具備了讓音樂好聽的特性. 但是同一個東西, 可以如此重複使用, 然後寫出那麼多歌曲.

幕後的編曲工作者, 他們每次拿到這樣的曲子的時候, 還是必須要依照製作人的指示, 弄出不一樣的花招, 讓同樣一組和弦進行, 聽起來不但不陳腔濫調, 反而是讓人有耳目一新的感覺.

每次只要聽到這樣的曲子, 我都會想, 如果我是一個編曲工作者, 當我每次拿到的曲子都是這樣的和弦進行, 那我要怎麼編? 所以想想那些編曲前輩們, 實在是很佩服他們的創意和巧思.



延伸閱讀 (站內)
  1. TDS 和聲代換
  2. 次屬和弦 (Secondary Dominant)
  3. 掛留和弦 (Suspended Chord)
  4. 調式內轉 (Modal Interchange)
  5. 和弦基礎
  6. 轉調曲例
  7. 吉他基本功
  8. 編曲方法論: 理論編曲和技術編曲
  9. 怎樣練一首歌
延伸閱讀 (站外)
  1. Canon (Wiki)
  2. JerryC - Rock Canon
  3. [Youtube] 4 Chords Song
  4. [Youtube] 為什麼流行歌聽起來都這麼像?
  5. [Youtube] 我恨 帕海貝爾卡農!
  6. 華語流行歌曲中的 "Rhythm Changes" —最常被使用的一段和絃進行
更新紀錄
  1. 20100327: 初版
  2. 20100328: 增加 "基本應用五" 以及 "編曲者的思維".
  3. 20141208: 增加常用和弦進行描述, 以及額外參考資料.
  4. 20160430: 補充藍調的比喻

2008/12/20

如何把 MIDI 做得 "逼真"


這是在鄉民站 DigitalMusic 版回答版友的文字.
主要是分享一些關於如何用 MIDI 出 "逼真" 樂器的心得.


本文:

: 最根本的問題,其實是,
: 我要怎麼學 midi 能把它做得儘量逼真呢?

想要把 MIDI 弄得 "逼真", 簡單說:
就是要去 "瞭解" 一些該樂器的 "樂器特性"..
 能夠去實際 "練習" 該樂器是更有幫助的,
因為練習才能體會箇中的差異.


段話我想說的是, 想利用 midi 把某個樂器詮釋的逼真,
那就除了 "具備該有的設備, 音源",
之後還要 "付出練習" 該樂器的心力, 和精神.


"具備該有的設備, 音源" 意思就等於學習樂器的人至少要把樂器準備好;
"付出練習" 就等同於擁有該樂器之後, 要花時間練習!!!


很多人都以為 MIDI 要能夠做的逼真, 只要準備高檔音源就好了, 
結果弄了一堆音源回來, 結果做出來的東西還是很 "MIDI",
這對 "MIDI" 來講實在是非戰之罪. 聽聽金曲編曲大師的說法: "MIDI 很難聽?"


以下是一些 "如何把 MIDI 作的逼真" 的重點提示和例子:



提琴類 (大中小提琴) 來說, 要去瞭解真實的提琴是怎麼演奏的,
弓法有哪些? 表情有哪些? 他們的聽起來的特色是什麼?

例如演奏弓法:
  • 一弓演奏八個音符
  • 兩弓演奏八個音符
  • 其他弓法 ....
上述兩者聽起來是有差異的.

其他常見的如顫音 (Vibrato), 力度 (Velocity), 撥奏 (Pizzicato), 抖音,
快速顫音 (Tremble), ... 等演奏法均有不同的差異.

例如: 實際上要用 MIDI 來編來編一段小提琴的 Solo,
比較好一點音源同一個音色, 會提供很多不同的演奏表情.
在編這種 Solo 時, 現在的做法有很多方法,
  • 同時開很多 Channel, 每個 Channel 就是一種表情, 然後慢慢刻 (programming), 基本上就像是真的演奏一個弦樂團一樣.

  • 只用一個 Channel, 然後用 PC (Patch Change) 控制表情變化. 同樣也是慢慢刻.
上述兩種是比較傳統的方式, 現在常見的是以下的方法:
  • 利用 Velocity 來控制表情: 現在一些怪物軟體音源 (動不動就幾百 G 的那種) 可利用 Velocity 來控制表情.這些音源可能針對一把小提琴就有數十層的音色分層取樣, 但不是真的 Velocity 的變化而以,大部分會包含其他演奏表情. 所以就可以用一個 Ch 然後控制 Velocity 或其他控制參數來完成這樣的編制.

  • Pattern/Pharse 系統: 有一些合成器 (ex: Yamaha MOTIF XS) 也是利用 Velocity 來控制各種不同表情. 因為表情太多不適合直接 realtime "演奏",所以他提供了一些已經設計好的 Pattern/Pharse 來使用.
不過上述兩種方法有一個缺點, 就是原本的 Velocity 已經不是 Velocity 了, 所以怎麼控制好 Velocity 要研究研究! (有點繞舌 XDDD)


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另外像是用 MIDI 編吉他這種東西, 跟絃樂一樣, 也是要瞭解吉他的 "樂器特性".

例如: 吉他有六根弦 (同時只會有六個音延續出現, 鍵盤上有十根手指頭, 還有踏板),
同音異弦 (同一個音高, 有不同的音色) 的特性, 上下刷弦的 Timing 差, 演奏噪音 (換和弦產生的擦絃聲), 悶音, 自然/人工泛音, 吉他的共鳴, 音域範圍 (4個八度) ... etc. 先不提電吉他的效果器部分.

最基本的要瞭解吉他的和弦按法, 然後瞭解和弦音的排列, 簡單說就是聲位 (Voicing).
吉他的 Voicing 跟鍵盤差異很大, 所以不能以鍵盤的轉位邏輯來彈吉他,
那彈出來只是個很像鋼琴的吉他而已.

吉他的 C 和弦的五種基本的轉位 (Voicing), 他們的音分別為:

Pattern 1
(Mi 型)
Pattern 2
(Sol 型)
Pattern 3
(La 型)
Pattern 4
(Ti 型)
Pattern 5
(Re 型)
x   ..
x13513
x  ...
x15135
x  ..:
xx5131
x ...:
151351
x ..::
xx1513

所以用上述的音去編, 加上吉他右手的指法, 才會有一個基本的輪廓.
這邊要強調一點, 吉他有一個特色就是 "同音異弦",
一些以吉他伴奏為主的曲子, 一個和弦裡, 同一個音會出現兩次.

例如: Cmaj7: x15773 = Ti 出現兩次, 這時候編曲者可以利用音源提供的:
  1. 不同 Velocity 有不同音色來編,
  2. 或者開兩種吉他音色來編.
這是吉他的樂器特色, 所以如果是做吉他類的演奏曲, 這種細節可以花時間 programming.

※更多吉他和弦聲位請參閱 "吉他和弦聲位的基本概念" 說明

吉他另一個特色就是 "演奏噪音".
包含右手 Pick/手指撥弦時產生的高頻噪音,
左手按和弦, 移動和弦時摩擦 "粗弦" 的噪音.
如果是電吉他那還要加上 DS/OS 自然的泛音, 回授 ... 等.

還有吉他常見的演奏表情:
搥勾弦, 顫音 (古典式/推弦法), 推弦, 左手悶音, 右手悶音
這些一般都是要從修 CC#11, CC#01, Wheel, Velocity, NRPN & RPN 著手 ..


不過關於實際的音樂製作上, 用 "MIDI 編吉他"
基本上是一件自討苦吃的事情. (當然也有一些前輩把 "編吉他" 當練功)
實際上也很少製作人會為了節省預算這樣做.

MIDI 編吉他 最多用一些 phrase/pattern 系統, 像是 Virtual Guitarist 那種 VSTi.
套一些刷刷 chord, riff, power chord, 而實際上的 Guitar Solo, Fill, Riff 還是找真人來錄比較實際.
用一把 2000 塊的吉他麥克風收音 Solo ,
效果會比用高檔的 MIDI 音源編吉他 Solo 輕鬆, 省事很多.
只要吉他手手上功夫火侯到了, 效果不會太差.

MIDI 編吉他, 跟現在的線上全文翻譯系統一樣,
參考就好, 當然或許未來會有所成長.


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再舉一個編曲常見的樂器 - 爵士鼓 (Drum Set).
鼓算是學 MIDI 編曲時第一個會接觸的東西,
因為他很簡單, 然後重複性很高, 很多時候只要編好四小節,
剩下的用 copy, 然後把段落過們改一改, 就差不多有個樣子了.

但是鼓要編的 "真", 其實除了音源要好 (BFD, EZDrummer, ... etc),
要多瞭解一下真鼓怎麼打, 還有一些鼓的幾本組成, 擺設位置,
更進一步的要瞭解各種鼓的材質, 規格大小.
還有各個年代的聲音, 很多綜合音源都會提供數十種不同音色的鼓組,
他們都各自有適合的曲風.

另外就是編鼓, 是最適合用 Quantize - 拍點自動校正.
但是要做的活一點, 當然要有一點小技巧,
我常用的大概就是利用一些三連音作輪鼓;
利用音源機提供的動態來打 Hi-hat, 或者疊兩種 hi-hat 音色.

實際上鼓的 Hi-hat 聲音變化是很豐富的,
所以編一些 Hi-Hat 的時候, 要想辦法弄得 '髒' 一點,
因為一般鼓音源的 Hi-hat 都太乾淨了 (乾淨到不切實際 XDD),
所以要有真實感, 可以多疊幾個不同 hi-hat 的音色, 來增加動態.
當然如果已經有那種超高動態的音源 (某個音源的 Hi-Hat 有 96 層!!!),
那就不用這樣搞了 ~

同樣的, 小鼓, cymbal, ride, kick, tom 都是類似的 ...
所以想要 '真', 就要多花這些心思去想,
多用很多技巧 .... 這可以省下很多預算,
但是要先衡量自己對於鼓的認識.


當然如果你想錄真鼓, 那想法又不一樣了,
相關的基本概念請參考小弟的心得: "錄鼓的一些基本概念" 的介紹.



上述三種樂器都提到了 "樂器特性",
除了這個之外, 另外一點就是樂器的 "慣用手法".
也就是該樂器的習慣演奏方式.

吉他喜歡在 Re Mi, So La 之間做表情, 喜歡用五和弦, 喜歡用四度和聲 ... 等.
國樂以五聲音階為基礎, 古箏常在某一個音做壓弦;
二胡習慣用滑音連音; 鋼琴 Voicing 常常是密集式的 .... 等 ...

當然演奏方式會隨著不同人有不同的詮釋,
但是大致上來說, 同一個樂器的慣用手法都會很接近.
所以編曲者在聽音樂時, 要多注意這些地方,
用 MIDI 做出來的東西才會 "像" ...

最怕的是用 "鋼琴" 的演奏邏輯來編曲,
通常那聽起來會很 .... 特別 - 就是四不像的意思.

一般來說, 都要先瞭解該樂器的演奏特性,
然後用那些慣用手法,
如果要用 MIDI 控制參數修出來,
都要有相當的經驗 / 耐心 / 還有好的音源,
才可以 "刻" 出一個樣子 ...

現在很多軟體音源除了取樣細緻之外,
很多都標榜有很多 pattern/pharse/loop 可以使用,
其實那些資料庫就是該樂器, 根據不同曲風設計的 "慣用手法" 精華所在.


※ 版權所有,謝絕轉載,請尊重著作權法 ※


當然在 MIDI 編曲中的音色有 兩個意思: 一個指的是 Acoustic Voice, 也就是原聲樂器, 基本原則就是要像某一個實際, 真實的樂器. 包含真實樂器的音色, 演奏技巧, 慣用手法, 樂器特性, 等聽覺物理現象. "MIDI 編曲" 包含詮釋上述的東西, 簡單說, 就是透過 MIDI 去 "演奏" 該樂器.

所以 "MIDI 編曲" 可以說是用 MIDI 演奏曲子, 而要演奏某種特定樂器之前, 編曲者必須也要瞭解該樂器的基本演奏概念. 如果不瞭解該樂器, 那 MIDI 最後就很容易會變成 "很難聽, 不像, 假" ... 等刻版印象.

當然, MIDI 不一定要 "像" 某個東西, 也能很好聽. 像是 Final Fantasy, 超級瑪莉, ... 等電玩配樂. 相關請見電玩雜誌的報導: 16 年前的回憶 - FFIII 作曲家植松伸夫訪談紀錄


另一種指的是 Style Sound, 簡單說就是適合某種特性風格的音色. 這種聲音不像原聲樂器, 他並沒有特定的演奏技巧, 慣用手法. 他可以天馬行空, 可以天外飛來, 也可以不按牌理出牌, 只要適合該 Style 即可.

這種音色是一種很創意性的東西, 所以一些鍵盤或者軟體音源裡都會有很多聽起來很奇怪, 而且容易讓人納悶的音色, 不知道要怎麼用, 也不曉得位啥會有這種音色. 簡單說, 他就是 Sound Designer 的創意, 但是需要編曲者 (伯樂) 來幫他找到適合的 Style. 通常這種音色都跟 "電子" 相關曲風有關係, 或者是一種 Loop 應用.

所以編曲面對音色時, 要考慮這是當作 Acoustic 用? 還是一個 Style Sound 來用? 基本的鍵盤 GM 音色介紹可參閱小弟的拙作: 鍵盤音色概述 介紹.


除了音色之外, 學編曲要學什麼? 學 Cubase/Nuendo/Snoar/ProTool/Reason ... 都跟編曲沒什麼關係, 那些都只是在玩軟體/玩工具, 當然這樣說不表示不重要, 畢竟工欲善其事 ... 但是請不要本末倒置.

但是, 我認為學編曲要學的有以下:
  1. 基礎音樂概念: 包含基礎樂理, 節奏概念等
  2. 和聲理論: 包含基礎和聲概念, 和聲重配, 代理和弦, 基本歌曲情緒段落 .. 等
  3. 配器法: 學配器法之前, 要先學習一些編曲常用的樂器/音色特性. 常見樂器簡單說就是 GM 128 種音色/16個 Group 音色特性以及樂器的特性. 然後才是真正的配器法, 也就是樂器的搭配. 例如: 鋼琴和尼龍吉他疊在一起適合作某些方面的效果.
  4. MIDI 原理/概念: GM 音色群組認識 (鍵盤音色概述), Channel/Track, MIDI Message, MIDI Control, System Exclusive .... 等. 這些東西在現代的外面的教學都不是很重視, 但我覺得這些是玩 MIDI 編曲的內功, 有心接觸的人, 還是要了解基本的運作原理.
  5. 合成器原理: 基本的 ADSR 概念, LFO, Filter 等原理.
  6. 效果器/混音概念: 基本的效果器音訊流, 串接概念, 混音頻率概念等
當然這些都要花不少時間研究才能有小成的. 光樂器的認識就有的玩了 ~ (所以我常說玩 MIDI 是一個無底洞 ... )


延伸閱讀(站內):
  1. 漫談編曲方法論 - 學術編曲與技術編曲
  2. CC#07 Main Volume 和 CC#11 Expression
  3. How to synchronize the MIDI messages between MIDI device and sequencer?
  4. 聊聊 MIDI Guitar
  5. 鍵盤音色概述
  6. 學習雜感
  7. Loop 的概念與應用實例 - One Nigh in 北京
參考資料 (站外):
  1. MIDI 很難聽? (當代樂手)

更新紀錄:
  1. 20090908: 增加 MIDI 編鼓的說明.
  2. 20090920: 增加 Music Score System, Music Producer System 的說明.
  3. 20091009: 把 Music Score System, Music Producer System 獨立成專文介紹.

2008/08/02

轉調曲例


轉調簡單的概念就是指曲子進行中調性改變,當我們說 "一首歌是 C 大調" 時, 這句話包含一些很重要的訊息:
  1. 根音 (Root, 主音, 最重要的音) 是 C
  2. 音階的音程關係是: 大調關係 (全全半全全全半)
  3. 存在著一組大調順階和弦
詳細關於 "調" 的概念,請見小弟的 調、調式及轉調 一文的介紹.

所以我們說轉調, 指的就是改變調的根音、或者調的音程關係
  • 根音改變像是 C 大調轉 A 大調, 音程關係依舊是大調關係
  • 音程關係改變像是 C 大調轉 C 小調, 根音依舊是 C (平行調)
因為這樣的改變, 造成在聽覺上呈現的感覺改變, 這些感覺使用的時機大概有以下:
  1. 加強情緒、主題重現 (升半音, 或全音)
  2. 戲劇性 (直接轉調,配樂)
  3. 男女對唱 (根據男女音域來設計調性)
  4. 主曲、副歌、間奏、前尾奏、橋段等段落的轉折
  5. 根據樂器特性安排轉調 (口琴、Saxophone … 等固定調樂器)
樂理上常見的轉調關係,通常利用終止式作轉接。只要找到目標調性的終止與原調性可以銜接,大概都是 ok 的。
樂理上常見的轉調技巧有下面幾種:
  1. 平行調:主音相同的大小調, Ex: C major <--> C minor.
  2. 關係調:組成音一樣的大小調: Ex: C major <--> A minor, 調式音階也是關係調. D Dorian <--> F Lydian 組成音都是一樣的.
  3. 屬調:以原調屬音 V 作為主音的調, Ex: C major --> G major.
  4. 下屬調:以原調下屬音 IV 作為主音的調, Ex: C major --> F major, C minor -> F minor


其他常用的轉調:
  1. 升一個半音或者一個全音, 用目標調的 V 級和弦作轉接點. Ex: C 轉 C# 可以在轉折的地方放入 G# 和弦作轉接.
  2. 直接轉調: 跟樂理沒啥關係, 轉調方式完全是天外飛來一筆. 聽覺上充滿戲劇性.


一些歌曲的例子 (副歌升半音/全音的就不列了, 例子太多了):
曲名/歌名演唱/演奏調性轉調類型附註
Don't SpeakNo DoubtEb -> Ab

LaylaEric ClaptonF (前奏) -> E (主曲) -> F (副歌, Solo)

Tears in heavenEric ClaptonA -> C (橋段)

HeroMerrich CarayE -> G

How do I liveLeann RimesD (前奏) -> E (主曲) -> D (副歌)
電影【空中監獄】主題曲
Can't Fight the MoolightLeann RimesD -> Eb -> E主歌跟副歌半音轉調電影【女郎俱樂部】配樂
Don't Want to Miss a ThingAerosmithD -> C (橋段)降 Key電影【世界末日】主題曲
You Oughta KnowAlanis MorissetteF#m -> F#平行調
A Winter Story
G -> D屬調電影【情書】 配樂
TonightWeslifeBb -> C (間奏) -> D

SakuraYanawaraba G -> F -> G (副歌) -> F# (第二次 Verse) -> G# (第二次副歌)
日劇【未來講師】 主題曲
Better ManRobbie WilliamsGb -> Bb

Endless RainX-JapanB (主歌) -> D (Solo)

Born to be my BabyBon JoviF#m -> Am
(A -> C)


魯冰花曾淑勤Ab (主曲) -> Abm (副歌)平行調電影【魯冰花】主題曲
天黑黑孫燕姿Ab -> Abm平行調
愛的初體驗張震嶽Gm -> G平行調
流星下的願望張學友
許慧欣
男: Am -> A
女: Em -> E
合唱: F
平行調歌劇【雪狼湖】配樂
屋頂吳宗憲
溫嵐
C -> Eb (Cm)

守候永恆的愛土屋亞有子
大久保薰
D -> F -> Ab (Solo) -> F
電玩【RO 仙境傳說】主題曲
第一天孫燕姿C -> Eb

曾經太年輕藍又時D (前奏) -> B (主歌, 副歌)
偶像劇【白色巨塔】主題曲
誘惑的街梁靜茹D (Verse) -> B (Chorus) -> Eb -> E
原唱林憶蓮

很多歌曲都喜歡用平行調設計, 例如 A -> C -> Eb, 這是個很常見的例子.
  • A -> C 可以想像成 A -> Am (平行調)
  • C -> Eb 可以想像成 C -> Cm (平行調)
這種曲子的設計, 通常在間奏, 或者主歌, 副歌之間做轉調, 很容易把情緒的張力拉開. 尤其是男女對唱的曲子更是適合這樣的設計. 更詳細介紹請看 "小調音階 (Minor Scale)".

另外這種平行調常用的地方就是藍調, 例如上面的 A <--> Am, 以一首 A Blues 來說, 不管是 A Major 還是 A Minor, 常常會交互使用, A Major Scale 就會跟 A Mixolydian 混著用, A Minor 就直接換成 A Blues Scale, 或 A Dorian Scale 帶入, 所以一首 A Blues 來說, 最常使用的音階大概就是 A Mixolydian + A Blues Scale + A Dorian Scale. 這是最常見的音階素材了. 其中有人把 Mixolydian + Blues Scale 稱為 Hip Scale.

扯遠了, 類似的例子非常多, 以上只是舉一些例子來驗證而已.


延伸閱讀 (站內):
  1. 調、調式及轉調
  2. 小調音階 (Minor Scale)

2008/05/02

漫談編曲方法論 - 學術編曲與技術編曲


整理一些我自己瞭解的編曲 (Arrangement, 或者稱為 Orchestration, 中文翻成配器法) 方式,我個人把他們分成兩種編曲方法,分別給他們一個專有名詞,一個稱為學術編曲 (或稱理論編曲, Theoretical Arrangement) ,另一種稱為技術編曲 (Technical Arrangement)


『編曲』算是一種延伸藝術,我個人的認知就是以主題/主旋律/標題為中心、超出這主題不是答非所問、不然就是即興創作、再不然就是開創新局(廢言!)。延伸藝術再怎麼延伸還是要圍繞在主題上,如果編曲凌駕於主題之上,大部分已經不算是編曲了。


像舞曲基本上我覺得就是編曲凌駕於歌本身了,90' 年代有很多舞曲大帝國,其實到現在我還是不知道有那些歌被改編成舞曲,不過我只記得那有點無聊的舞曲節奏、還有很花的合成音效 @@.... 至於那是什麼歌我完全沒注意到,也已經不是很重要了。

但是另外一種改編就不一樣了。著名的電影名曲 Over the Rainbow,我手上的版本,我沒記錯的話至少有 12 個。十二位中外藝人翻唱、演奏過,當然實際上應該更多。他們在翻唱、演奏這首曲子的時候,不管是改成什麼樣的版本,Blues (Eric Clapton)、Jazz、Bossanova、Folk、Rock、POP (黃小琥)、Finger Style、甚至是 Speed Metal (Impellitteri),最後聽完之後我都很清楚知道,這首歌叫做 Over the Rainbow。

類似的歌曲很多,像是帕海貝爾的 Canon in D、Jimi Hendrix 的 Little Wing、Last Christmas、木匠兄妹的 Yesterday Once More、月亮代表我的心、望春風、…太多了。這些經典歌曲的特色就是一再的被改編,而歌曲本身越改越有名、好聽也依舊。基本上編曲再怎麼精緻,依舊還是以歌曲主題為中心的。


舉了一些例子,接下來聊聊構思編曲的一些想法。編曲一搬來說並沒有什麼標準程序(有慣用程序),也沒有所謂對錯、好不好。我個人認為編曲好壞有沒有精準的詮釋出『味道』和『感覺』很重要。就像照相一樣:『一張清晰,會勝過一千張沒對好焦的』。所以這不是三個臭皮匠就能勝過一個諸葛亮的問題。


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構思編曲的方式很多種,有從音樂的核心:節奏、旋律、和聲,切入。傳統的音樂學院 (BerkleeJuilliard) 大多都是以這三者切入,可以說是從歌曲旋律本身開始構思,然後從節奏、和聲延伸,一種由內而外的構思方式,我把這種方式稱為學術編曲 (或稱理論編曲, Theoretical Arrangement) 

套上武俠小說的話,就是先練內功,內功練好了,入門的招式也可以虎虎生風。套上現代的電腦軟體系統設計方法論就有點類似 Bottom up 的方法,也就是先完成系統核心 Core,之後再來寫使用者介面 GUI。Unix 系統環境屬於這一類,軟體效能很好,但是大部分都是要下指令,有介面的話,使用邏輯也都怪怪的。


另外一種就是從這三種以外的切入,像是演奏技巧、音色、配器、抽象畫面(音效、情境等音效)…等,所以就如第一段所提,我把他稱為技術編曲 (Technical Arrangement):也就從大方向開始構思。一些演奏音樂學院 (MI) 大概會有類似的學習模式。

套上武俠小說的話,就是先練招式,之後再練內功。同樣的以系統設計來看就類似 Top down 的方法,也就是規劃使用介面 GUI、之後在開始寫系統核心。Microsoft Windows 可以說是這一類,使用介面作得很人性,但是核心寫的不好,所以常當機。


上面兩種方法,誰好誰壞,沒啥意義,雞生蛋、蛋生雞。段譽內功可以說是金庸武俠裡面的第一,但是他全然不會招式;令狐沖學會獨孤九劍,全然沒內功也瞬間點瞎了十多人的眼睛。


胡扯了一堆,還是要整理一些編曲的方式。學術編曲可以看我寫的另外一些文字,只要跟樂理有關的,基本上都是學術編曲。

以下整理的屬於技術編曲得構思方式,當然這也是我自己在構思編曲,甚至是創作時的一些絕招,所以僅供參考!這些東西沒有先後次序、也沒有使用上的限制,可以全用、可以單一使用。


歌曲畫面具像程度 (歌曲配器/音色/電子/原聲):

其實音色本身就是一個畫面,當決定用什麼樣的配器時,很多時候,歌曲的畫面就已經差不多定奪了。因為樂器本身的音色代表著相對應的文化背景、時間與空間、曲風輪廓。


畫面溫度的呈現 (歌曲情緒/憂鬱/愉悅/憤怒/亢奮):

如果與傳統的學術編曲來對比,這個部份說得有點類似和聲系統的分析。一般說大和弦就是亮色系、小和弦就是暗色系。

以技術編曲來說,這個部份除了包含了和聲系統以外,也包含音色的選擇。吉他 Distortion 音色聽起來就會比較狂野、亢奮、憤怒;鋼琴一般感覺會比較柔美、憂鬱;木吉他會比較鄉村、輕快、愉悅…等。


畫面時間點的架構 (季節/月份/現在/過去/未來)

寫文章、電影戲劇等都有一些常用的結構,就是倒敘法。故事的程序在現在、過去、未來間遊走,甚至現在、過去、未來同步。歌曲的編曲上同樣的方式,經常使用在電影、戲劇等配樂裡會用類似的手法。同樣的旋律架構,搭配不同的時間畫面,所呈現的感覺。


學術編曲 (或稱理論編曲)技術編曲一般編曲教學不會特別強調、或者分類這兩種東西,但是實際上這兩種東西編曲者都要會。

以目前台灣坊間音樂教室的編曲課程大多都是技術編曲內容比較多,也就是教導一些軟硬體設備的使用,然後再給一些基本的理論基礎,這樣大概就可以作簡單的編曲。

而學術編曲的還是在音樂學院裡比較多,同學們大多都要花很多時間研究和聲學、曲式分析、對位法、律動、音樂史…等非常抽象的音樂(看得到聽不懂的東西XD)。

技術編曲說直接點,就是用器材、設備作為編曲者的基本資料庫,換句話說,玩技術編曲成本要夠厚,因為可能要稿一堆機器、設備。學術編曲不需要弄那麼多機器,但是就是要鑽研很多理論、學術性的東西。

另外如果是學習爵士樂理,會發現爵士樂其實就是學術編曲的一種極至化跟現場化 (Realtime Arrangement) 。而玩設備的,像現場的 DJ、玩弄合成器的鍵盤手、吉他效果器應用,基本上可以算是技術編曲的另一種極至化。


所以如果兩者都通,基本上就像鎮守襄陽的大俠郭靖一樣,內外兼修!可稱為武功的絕頂高手!也是俠之大者!所以一首有內涵的歌曲,套上好的學術與技術編曲,基本上就可以稱為武功高手(精湛的編曲)與俠之大者(有內涵+意義深遠的詞曲),才是真正的武俠


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延伸閱讀(站內):
  1. [舊文] 溝通與單字
  2. 什麼是編曲?

2008/03/30

Misia - Everything 歌曲分析


我個人非常喜歡的曲子, 也是日劇 - 大和拜金女的主題曲. 沒聽過的朋友可以線上聽看看 (2002 Live , Studio 版本), 不管是歌曲本身的旋律, 米西亞 (Misia) 現場的唱功 (原 Key), 和聲的安排, 都相當精采!

先前曾經想嘗試分析, 不過中間遇到很多理論無法瞭解, 所以後來我又花很多時間鑽研一些理論基礎, 再重新嘗試分析看看, 最後終於可以比較清楚的解釋很多應用的技巧.

本文因為比較複雜, 所以我也沒有把握解釋的很正確, 目前還只是草稿, 有幾個段落 (標星號 *) 分析的過程用過兩種以上的方法, 所以可能還會再修改. 但是不管怎樣, 都歡迎有興趣的朋友來討論.


本文:


原曲是 C# 大調轉 D 大調, 分 A B C 三大段. 為瞭解說方便, 這邊以 C 調作解釋. 因為歌曲的和弦進行比較複雜, 我嘗試一段一段詳細的解釋相關的理論應用技巧. 歡迎有興趣的朋友一起來討論~

在分析這種比較複雜的曲子之前, 除了和弦以外, 也要把旋律譜採下來. 這樣在分析時, 才能夠清楚瞭解為什麼會安排那樣的和聲.

歌曲的和弦進行是摘自我手上的意亂琴迷 (Guitar Fun) 43 期, 由門田老師採的譜. 和聲分析/解說是我自己分析撰寫的.


段落 A:

|01|: Cadd9 - - - |02| FM9 - - Eb9 |
|03| D9 - G13 Fdim7 |04| Cadd9/E - G/A Gdim7 |
|05| F#m7-5 - Fm6 - |06| Em7 - A7(-9-13) - |
|07| D9sus4 - D9 - |08| Gadd9 – G -:||
|08| Fm9 - Ab/Bb Bb/Ab |09| C/G - Am7 - |
|10| AbM7 - - F/G G/F |

小節 1:
因為主旋律有 2, 所以將原本的 C 增加旋律音 D,
改和弦為 Cadd9 (增加和弦) 來輔助主旋律, 增加和聲色彩.


小節 2-3 經過和弦:


|02| FM9 - - Eb9 |03| D9 - G13 Fdim7 |

FM9 - D9 可以看成是 IV - II of C, 此例來說, 可以用以下幾種方式重新安排和聲:

安排順階經過和弦:
改成: IV - III - II of C, 如下:
|02| FM9 - Em7 - |03| D9 - G13 Fdim7 |

同時得到 Bass Line: F - E - D => IV - III - II

次屬和弦 (Secondary Dominant):
以 D 為目標和弦, 安排 V-I of D 的終止式, 得到: A7 - D
|02| FM9 - A7 - |03| D9 - G13 Fdim7 |

安排 ii-V-I:
同樣以 D 為目標和弦, 安排 ii-V-I 終止式: Em7 - A7 - D
|02| FM9 - Em7 A7 |03| D9 - G13 Fdim7 |

降二代五 (Substitute Dominant Chords):
也就是將 V of D 的 A7 代理成 bII of D 的 Eb, 所以得到: Eb7 - D7,
最後把屬和弦延伸到九和弦: Eb9 - D9.
|02| FM9 - - Eb9 |03| D9 - G13 Fdim7 |

把 Eb9 放在第四拍, 也就是比較短的弱拍.
如果放在第三拍的位置會太長, 而且又是重拍上,
整首以 C Key 來聽會太突兀. 所以放在弱拍上,
不會突兀, 構成從 FM9 到 D9 的經過和弦 (或者說橋樑),
反而聽起來會很 Smooth.



* 小節 3-4:

|03| D9 - G13 Fdim7 |04| Cadd9/E - G/A Gdim7 |

這兩小節的經過和聲比較複雜, 分以下幾段解釋.

首先: D9 - G13, 可看成是 V - I of G. 而 G -C 又剛好是 V - I of C.
所以先省略其他不看可以直接簡化成:

|03| D - G - |04| C - - - |

接下來的 G 到 C 的部分, 因為 G - C 可看成 V - I of C,
所以原本 G 的和弦弦屬性可以從大三改成屬和弦.
所以 G 延伸成 G7 -> G9 -> G11 -> G13,
G13 的組成音為: G B D F A C E
可以想像成: G B D F + A C E = G7/Am
或者是: G B D + F A C E = G/FM7 (複合和弦)
其中 G13 不管他怎麼延伸, 本質還是 G7 (屬和弦).

我們套用上面兩個複合和弦, 原本的進行可以想像成:

|03| D - G/FM7 Fdim7 |04| Cadd9/E - - - |

|03| D - G7/Am Fdim7 |04| Cadd9/E - - - |

再把複合和弦簡化一次變成:

|03| D - G Fdim7 |04| Cadd9/E - - - |

之前已經提到 G - C 可以看成 V - I of C.
所以這邊一樣可以安排降二代五, 改成 V - bII - I of C
所以再原本簡化的進行:

|03| D - G - |04| C - - - |

安排 V - bII - I, 改成:

|03| D - G Db7 |04| C - - - |

Db7 = Db F Ab B
因為 Db7 看成 V of Gb,
可用 VII of Gb 的半減七 (Half-diminished 7th) 代理 => Fm7-5
或者是VII of Gb 的減七和弦 (Diminished 7th)來代理 => Fdim7 = F Ab Cb Ebb = F Ab B D,
所以這裡 Fdim7 可以代理 Db7, 得到如下:

|03| D - G Fdim7 |04| C - - - |

最後 G 是 V of C Key, 也就是屬和弦, 所以可以換成延伸和弦增加和聲色彩,
而 C 和弦同第一小節的方法改成增加和弦, 所以得到如下:

|03| D - G13 Fdim7 |04| Cadd9 - - - |

最後安排 Bass Line 為 V - VI - III of C Key:

|03| D - G13 Fdim7 |04| Cadd9/E - - - |


* 小節 4-5-6:

這段是非常精心的和聲安排~

|04| Cadd9/E - G/A Gdim7 |
|05| F#m7-5 - Fm6 - |06| Em7 - A7(-9-13) - |

這三小節從根據旋律直覺上會配的是 (僅考慮三和弦) :
|04| C - - - |05| Dm - - - |06| Em - - - |

第四要進入第五小節可以算是一個小段落/樂句/小終止,
就歌曲上來說, 從第五小節開始, 應該是有承先啟後的作用,
作曲上可能用的是模進 (Sequence) 的方式;
而在順階和弦中四級 (下屬和弦) 會讓音樂有想要繼續上述/承先啟後的感覺,
所以要進入第五小節時, 可以做一個 IV – I 的終止式安排,
理論上被稱為教會終止.
導入終止之前, 我們將 D 當成 I of G 看成大三.
IV of D = G. 先安排大三, 所以級數的安排變成了:

|04| C – G - |05| D - - - |06| Em - - - |

而 G – D 也可以看成 I – V of G,
所以 D 又是 G 的屬和弦,
可以用 VII of G 代換 => I – VII of G => G – F#dim,
把三和弦換成七和弦, 得到: G – F#m7-5

|04| C – G - |05| F#m7-5 - - - |06| Em - - - |

目前四到五小節可看成 I – VII of G.
同樣的, 我們想要在弱拍 (第四拍)再置入經過和弦讓和聲更 Smooth.
連結兩個相鄰順階和弦最好的潤滑劑就是減七和弦 (Diminish 7th),
上行順階所以 G – F#m7-5 可以置入 Gdim7 做潤滑劑, 變成:

|04| C – G Gdim7 |05| F#m7-5 - - - |06| Em - - - |

第五小節中原本的 Dm 可以用 F 代換,
又 F 可以用調式內轉轉換成 Fm.
所以第五小節基本上應該是具備 Fm 聲響的.
開始已經安排了 F#m7-5 了, 他具備了IV of C = F 的聲響,
而三四小節的旋律中並沒有6這個音, 所以我們可以將F用Fm來代換,
同時也延續 F#m7-5 的聲響.
而三四小節有 VI of F, 所以可以把Fm加上六級改成Fm6.
的到以下結果:

|04| C – G Gdim7 |05| F#m7-5 – Fm6 - |06| Em - - - |

最後調整Bass line,
很明顯 Gdim7 – F#m7-5 – Fm6 已經是一個半音階降冪了,
為了讓代理的和弦更smooth,
把 G 帶入 A 的Bass, 形成 A – G – F# - F – E 的 Bass line.

|04| C – G/A Gdim7 |05| F#m7-5 – Fm6 - |06| Em - - - |


小節 6 – 7:

|06| Em7 - A7(-9-13) - |07| D9sus4 – D9 - |

以歌曲段落來看, 這首曲子八小節為一個段落.
八小節裡, 作曲上來看, 一樣會有起承轉合,
前面四個小節分別是起跟承, 第六小節可以看成轉,
七八是段落的終止, 或者說是 Turn around, 也就是合的部份.

看和聲的安排, A 和弦很明顯的是 V of D, 所以原本應該是:

|06| Em7 - A7 - |07| D – - - |

兩小節歌曲的旋律有 G F, G 是bVII of A, F 是 -13 of A,
而原本 A 就被當成屬和弦,
所以可直接改成 Altered Chord, 變成A7(alt).
我們把旋律搭上原本的和弦變成 A7(-13).

再看看先後的和弦 (三和弦) Em 與 D,
他們的五度音為 B, A. A7在這邊就當作是經過吧,
再把 Bb 放進去行程 B Bb A 的半音進行.
Bb = -9 of A. 所以 A7 最後得到 A7(-9-13).


小節 7-8:

|07| D9sus4 - D9 - |08| Gadd9 – G - ||

第七小節以順階C大調來看, 原本應該是小和弦 Dm7,
但是旋律線中並沒有經過 F (D Major的小三度),
旋律沒有明確的三度音, 所以可以用小三度或者大三度,
而且目標和弦是G,
所以可以把第七小節用次屬和弦代換成 V of G => D7,
同時也改變和弦屬性為屬七和弦.

|07| D7 - - - |08| G - - - ||

屬和弦又可以繼續延伸, 旋律中有 E, 所以放入 D7可以改成D9.

|07| D9 - - - |08| G - - - ||

同一個和弦用在一個小節太長, 可以使用裝飾和弦來修飾.
因為這是一個屬和弦, 所以修飾屬和弦可以增加 tension notes,
或者三度音變成 suspended. 可以用 sus4, sus2 … 這邊使用sus4 變成:

|07| D9sus4 – D9 - |08| G - - - ||

第八小節同第一小節, 增加旋律音:

|07| D9sus4 – D9 - |08| Gadd9 - G - ||


第二次小節 8-10:

|08| Fm9 - Ab/Bb Bb/Ab |09| C/G - Am7 - |
|10| AbM7 - - F/G G/F |

這段準備要切入B段, Misia 這邊演唱時氣比較長,
編曲依照 vocal 想詮釋的感覺, 拉長小節.
這邊就整首曲子大段落來看, 算是承A段, 要進入B段,
所以也是一種承先啟後的感覺.
所以段落的終止使用IV - I of C 的教會終止, 安排一個 F 和弦.

這邊因為準備進入新段落, 用了很多技巧來製造張力:
  1. F -> Fm, 同時增加 tension, 改成Fm9
  2. 以第九小節C 為目標, 使用全音升冪進行 Ab – Bb – C, 從八小節導入九小節. 這種全音進行在流行歌曲中很常見, 通常會使用在結束的部份. 而 Bass 使用相反的降冪進行 Bb – Ab – G – A, 形成有兩組和聲交錯的感覺, 非常的有張力!!
  3. 最後第十小節, 順著 B 段的上行Lead-in (引導線) 聲線, 安排 IV – V of C, 剛好有情緒上揚的感覺. 而 Bass Line 則使用同樣技巧, 以 B 段第一小節的 Em7 為目標, 設計降冪 G – F – E.
  4. 第九跟第十小節中間, 承 Am7 跟 F/G, 安排半音進行和弦AbM7. 形成 A – Ab – G – F – E 的 Bass line.

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結論:

這只是第一段而已, 就很複雜了, 用到的理論基礎很多:
  1. 調性和弦 (Diatonic Chords)
  2. TSD 和聲代換
  3. 251
  4. 降二代五 (Substitute Dominant Chords)
  5. 次屬和弦 (Secondary Dominant)
  6. 變化和弦 (Altered Chords)
  7. 增加和弦 (Added Chords)
  8. 減七和弦 (Diminished 7th) 應用

分析這種複雜歌曲的目的, 就是可以從中驗證已經學過的和聲技巧/理論基礎, 同時也可以把這些理論應用在其他歌曲的改編.

延伸閱讀(站內):
  1. 和弦基礎
  2. 減七與半減七和弦於流行樂中的應用
  3. 變化引伸音 (Altered Tension Notes)
  4. 終止式和聲代換
  5. 五度圈

參考資料/線上資源:

2008/03/25

Misia - Everything 歌曲分析 (序)


Misia 的 Everything (日劇: 大和拜金女主題曲) 一直是我很喜歡的歌曲. 想當然爾, 只要手上有樂器就會跟著彈.

以我現在的功力, 要把一般流行歌曲的曲譜寫出來, 大部分都不會有什麼問題, 比較簡單的可以用聽的直接把和弦寫出來. 可是這首確讓我栽了個大觔斗, 原因無他, 因為這首歌用了很多爵士和聲的東西. 沒有用 Extended Chord 也是可以彈的出來, 只是沒有把那些 Tension Notes 彈出來, 就是沒味道! 好像吃蚵仔煎, 沒沾醬一樣, 怪怪的...

偶然的機會之下, 在國內吉他雜誌 Guitar Fun 裡面找到這首歌曲的詳細吉他譜, 還有吉他手門田英司老師和絃分析解說. 不過我只有找到其中一本, 分析的部份只有一段, 所以剛好借這機會來自我考驗一下, 嘗試分析整首歌曲的和聲.

整首歌曲扣除前奏, 共分成三大段落: A, B, C. 原曲調性是 C# -> D, 為了方說明, 我就直接寫 C 大調就好.

以下是各段落的和弦譜:

A:
||: Cadd9 - - - | Fmaj9 - - Eb9 | D9 - G13 Fdim7 | Cadd9/E - G/A Gdim7 |
| F#m7-5 - Fm6 - | Em7 - A7(-9-13) - | D9sus4 - D9 - | Fm9 - Ab/Bb Bb/Ab :||
| C/G - Am7 - | Abmaj7 - - F/G G/F |

B:
|| Em7 - Am7 - | Dm7 - F/G G/F | Em7 - Am7 - | Bm7-5 - E7 - |
| Am7 - D9 - | Dm9 - C/E - | Fmaj7 - #Fm7-5 - | F/G - - - ||
| G13(-9) - 0 0 |

C:
|| C - G/B - | Am7 - Gm7 - | Fmaj7 - G/F - | Em7 - Am7-5 A7 |
| Dm7 - Abdim7 G/F | Em7 - A7sus4 A7 | Dm7 - Abdim7 - | C/G - - - ||
| F/G - - Abdim7 | Am7 - D9 - | F/G - G13 - | Cmaj9 - - - |



接下來我將試著分析各段落代理和弦 (當然, 分析要自己分析, 不可以直接從雜誌上抄下來), 以及如何應用這些和聲技巧來改編其他歌曲.

我知道的分析的方式有兩種, 第一種是直接分析, 也就是直接從我們看到的譜上分析和絃之間的關係. 有興趣的朋友可以直接看 Guitar Fun 裡面門田老師的分析.

第二種分析方式是用倒敘的方式. 也就是假設原曲只用一些簡單的順接和絃, 然後再一步一步的作代理和絃, 增加 Extended Chord, 設計 Bass Line ... etc. 也就是常見的合聲重配.


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延伸閱讀(站內)
  1. Misia - Everything 歌曲分析 (一)

2008/01/15

再談 Guide Tone


先前提過 Guide Tone 的一些觀念,把同樣的觀念導入順階和弦裡,我整理了一些應用方法,以 C 大調順階七和弦為例,如下:

LevelIIIIIIIVVVIVII備註/說明
順階七和弦Cmaj7Dm7Em7Fmaj7G7Am7Bm7-5
組成音C E G BD F A CE G B DF A C EG B D FA C E GB D F A
RootCDEFGABBassist 彈
Guide ToneE BF CG DA EB FC GD A定義和弦聲響
5thGABCDEF可省略
Rootless ChordEmFGAmBdimCDm省略 Root
Rootless 7th ChordEm7Fmaj7G7AmBm7-5Cmaj7Dm7七和弦
9th ChordCmaj9Dm9Em7b9Fmaj9G9Am9Bm7-5-9Root + Rootless 7th Chord

  • Root (根音): 樂團裡由 Bassist 負責,鍵盤習慣就由左手負責。

  • Guide Tone: 七和弦的三度音七度音,定義和弦聲響。樂團裡 KB 跟 GT 可以交換演奏 Guide Tone(不一定要彈完整的和弦,聲響會太 Heavy、糊、亂),另一者可用 Tension Notes 彈 Fill (插音、呼應主旋律)、和聲

  • 5th (五度音): 吉他手彈奏 Power Chord 或者 GT 跟 KB 獨奏時使用。

  • Rootless Chord: 省略根音之後的組成音和弦。GT 跟 KB 可以用這樣的方式彈奏和弦。但是要注意 Voicing 的選擇。Rootless Chord 是我自己亂取的名詞。

  • Rootless 7th Chord: 繼續延伸原本的 Rootless Chord,可以與原本的根音製造出 Extended Chord 聲響。當然用這類的和弦要很小心,不然很容易變成在亂彈。
上面的描述,Guide Tone 的部份,大部分彈和弦時,不管是吉他還是鍵盤,一般的彈法可能就是全彈。以七和弦來說就是至少彈四個音,鍵盤可能左手按根音,右手按 Rootless Chord。如果是獨奏的曲子,這樣也許是可以的,但是如果是搭樂團,那麼鍵盤左手已經跟 Bassist 打架了,而右手要是沒有安排音域,則可能會跟吉他打架。那最後聽到的聲響就是糊成一團。

搭團比較好的作法,以鍵盤手來說,左手彈基本的 Guide Tone 作為和弦聲響的定義,根音交給 Bassist。右手依照歌曲需求,彈適度的 Fill 或者利用分鍵功能彈其他的東西,像是 High String、FX、Harmony…。

比較老練的鍵盤手會盡量減少不必要的 Garbage notes,也就是左手彈根音和五度音,右手彈 Guide Tone 或者直接彈 Rootless Chord,這樣會比全彈好聽很多。有一些鍵盤手甚至會彈 Rootless Chord 的七和弦來製造出 Extended Chord 的效果,也就是九和弦了,當然這已經是比較 Jazz 的用法了。

同樣的,也是和聲樂器的吉他,也可以用類似的手法來安排 Guide Tone、Fill 、或者和聲。


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延伸閱讀(站內):
  1. Guide Tone
  2. Shell Chord
  3. 變化引伸音 (Altered Tension Notes)

2007/11/15

TSD 和聲代換


調性的順階和弦 (Diatonic Harmony) 中,每個和弦都有其主要的功能。其中主和弦 (Tonic)、下屬和弦 (Sub-dominant)、屬和弦 (Dominant) 三個的聲響穩定依序為主和弦最穩定,下屬和弦次之,屬和弦最不穩定。另外三個和弦因為聲響性質,可以用其他順階和弦作代換,也就是常見的 T-S-D 代換。

瞭解三種和弦的特性與和弦代換, 應用在終止式 (Cadence),可以讓音樂更加的豐富。

基本的 TSD 代換,以 C Major 順階七和弦為例:
  1. 主和弦 (Tonic):CM7 可以用 Em7 和 Am7 代換
  2. 下屬和弦 (Sub-dominant):FM7 可以用 Dm7 代換
  3. 屬和弦 (Dominant):G7 可以用 Bm7-5 代換
以 C minor (Cm7, Dm7-5, EbM7, Fm7, Gm7, AbM7, Bb7) 順階七和弦為例:
  1. 主和弦 (Tonic):Cm7 可以用 EbM7、AbM7、Am7-5 代換
  2. 下屬和弦 (Sub-dominant):Fm7 可以用 Dm7-5、AbM7 代換
  3. 屬和弦 (Dominant):G7 可以用 Bm7-5、Bb7 代換

使用 TSD 代換之後會有一些排列組合,列表如下:

LevelIIVV
KeyTonicSub-dominantDominant
C MajorCM7
Em7
Am7
FM7
Dm7
G7
Bm7-5
C MinorCm7
EbM7
AbM7
Am7-5
Fm7
Dm7-5
AbM7
G7
Bm7-5
Bb7


爵士樂最常見的終止式進行:ii - V - I,例如:
  • Dm7 - G7 - CM7 (C Major)
  • Cm7 - F7 - BbM7 (Bb Major)
  • Am7 - D7 - GM7 (G Major)
熟悉五度圈的朋友應該很快就會發現,上述的 ii-V-I 進行,剛好是五度圈逆時針方向的排列。所以熟悉五度圈,對於 ii-V-I 進行的練習會有很大的幫助!(圖片來源:Wikipedia 百科)

一般常見的編曲手法,可以在目標和弦引入終止式或者次屬和弦 (Secondary Dominant)。例如一首曲子的 A 段和弦進行如下:

A: || C | C | F | F | Dm | Dm | F | G ||

我們在 F 導入次屬和弦,在結束和弦 G 導入 ii-V-I 進行,變成如下:

A: || C | C7 | F | F | Dm | Dm | F - Am7 - | D7 - G - ||

聽起來會比原本的更加的 Smooth。



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延伸閱讀(站內)
  1. 和弦基礎
  2. 次屬和弦 (Secondary Dominant)
  3. 小調音階 (Minor Scale)
參考資料/線上資源

  1. 爵士樂理入門 (Jazz Theory for Novices) - 李承育著
  2. 征服琴海 (Complete Guitar Playing) - 林正如著
  3. Cadence
  4. Chord Substitution
  5. Secondary Dominant
  6. Circle of 5ths

2007/11/04

什麼是編曲?


編曲是什麼?

引用某製作人的話:簡單說就是作 Kala (伴唱背景, Backing)。營造歌曲情緒的配樂,讓演唱者進入狀況 (以流行樂來看),也可以說是音樂的心理戰 (起承轉合)。

一般來說學編曲會以 Style 來作為方向。每種 Style 在音樂分析上有不同的重點、特性、配器,對應到編曲的角度,也會有相同的思考方向。

大家都知道音樂的基本核心:節奏、旋律、和聲。以編曲來說,除了上述三種,還要加上音色 (或者說配器法),搭配適當的速度 Range,大概就是編曲的大方向。舉一些常見的例子:
  • Rock (太多例子了 ...):
    • 節奏 + 音色 (電吉他 Power Chord, Distortion 音色)
    • Tempo: 100 ~ 140
  • Punk: Sex Pistols (性手槍樂團) 的配器就是:
    • Open Hi-Hat (吵 @@ ...)
    • Pick Bass
    • 1-4-5 進行
    • 歌詞
  • Bossanova (小野莉莎的歌 .... 參考@@):
    • 節奏 (重點)
    • 尼龍吉他的 Solo or Rhythm
  • Blues (以 Texas Blues 為例):
    • 曲式/和聲: 12 Bars, I-IV-V (屬七和弦)
    • 旋律: 大調五聲, 小調五聲 + Blues notes
    • 節奏: Shuffle
    • 吉他的 Bending 與Tone
  • Jazz:
    • 和聲系統: 以七和弦為基本
    • 節奏: Swing, 切分
    • 配器: 鋼琴, 吉他 (Gibson), Double Bass, Rhodes, Drums ... etc
  • Funk
    • 節奏系統: 16beats
    • 速度: 90 ~ 120
    • 配器: GT Rhythm, Bass Slap
  • Fusion (Rock + Jazz):
    • Rhythm: 搖滾節奏, tempo: 90 ~ 160
    • Harmony: Jazz 和聲
  • POP:
    • 旋律 + 歌詞是重點 ..
  • New Age:
    • 混音、後置: 強調空間
    • 旋律: 慣用大二度 or 大九度
  • Metal:
    • GT Tone: Dist, Fuzz ....
    • Tempo: 160 up
    • 配器: 電吉他 + 合成器 + 雙踏
以上的例子,僅是一些很粗操的分類 (也不見得很正確),光是 Rock 一個曲風其實就可以細份成很多類別。所以只是做一個大方向的參考。重點就是多聽喜歡的類型的音樂,去分析他慣用的節奏、和聲系統、慣用配器。之後想編類似的音樂時,基本上以類似的方向著手,就可以做出類似的 Style。

至於樂理的部分,我想接觸音樂多少都必須要涉略,除非您是天才 (像 Jimi Hendrix 一樣可以完全靠耳朵寫歌),否則,樂理都是必須要花時間去下功夫的。

但是,對我個人覺得,樂理只是描述音樂的基本文法。因為,上述描述的 (包含三大要素,配器) 都是 "技術" 層次的東西。如果有留意到 POP、Punk 的描述,應該都會發現我特別提到歌詞的部分。

就 POP 流行樂來說,歌詞我個人覺得佔很重要的比例。沒有好的歌詞是成就不了流行歌的。POP 基本上就是當下 (Current、Now) 的音樂,這代表他可能會發展成另一種新的 Style 或者說特色,Ex: 陳綺貞、周杰倫。而這種 POP 反映的就是時下的時空背景。

Punk 也是,除了基本的配器,歌詞大多帶有對時下不滿,憤怒等情緒。因為這些歌詞所以造就 Punk 曲風。

所以,除了 "技術" 以外的東西,更深一層的編曲者要去了解的就是屬於文化層次的東西,包含當時的時空背景、創作動機、故事背景 ..... 等更深層的意義。如果可以將這些東西具像化放入編曲素材中,那樣的編曲,我個人覺得,才是真正的編曲。也才勉強稱的上是 "藝術"。


因為編曲強烈的受限於詞曲,所以一般來說,"編曲" 屬於一種 "延伸藝術"。因為是一種延伸類型的東西,所以嚴格來講,並不能說是藝術。

編曲基本上是技術層次大於藝術層次的東西。因為編曲可以靠樂理、慣用手法、配器來完成,並達到類似的目的,屬於比較理性的東西。而藝術,往往是感性遠遠超越於理性的。不需要理性,更不需要樂理,就可以做出來的。所以,一般來說,編曲無法歸類於藝術,勉強來說,只能歸類於 "延伸藝術" 。就像程式設計一樣,很難說是一種藝術,了不起是一個延伸藝術罷了。


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延伸閱讀(站內):


2007/10/22

減七與半減七和弦於流行樂中的應用


這兩個和弦的組成音只有差一個,同時因為聲響都很緊張,所以採譜時不太容易辨識。為了辨識這兩個和弦的差異,我用一般流行歌曲中慣用的編曲手法,以及樂理上的概念分析他們應用上的差異。


必須先瞭解兩者的組成音的差異:
  • 減七和弦 (Diminished Seventh):
    • 組成音:R b3 b5 bb7 (6)
    • 例子:Cdim7 or Co = C Eb Gb Bbb
  • 半減七和弦 (Half-diminished Seventh):
    • 組成音:R b3 b5 b7
    • 例子:Cm7-5, Cm7(b5), or Cø = C Eb Gb Bb
半減七和弦 (Half-diminished Seventh) 在自然大調的順階和弦中是第七級,在順階和弦當中的性質關係,他可以代理屬和弦 (Dominant)。以 C 大調 ii - V - I 來說:
  • ii - V - I => Dm7 - G7 - CM7
  • 把屬和弦換成半減七和弦: Dm7 - Bø - CM7
  • G7: G B D F; Bø: B D F A
  • G9: G B D F A (B7 + Bø)
所以,用上面的說法來解釋的話,半減七和弦出現在歌曲中的角色應該是跟調與順階和弦有關係,而且通常會出現在終止時作變化,也就是屬和弦的地方。


減七和弦 (Diminished Seventh) 常出現在兩個順階和弦中作經過 (Passing Chord),例如 C 大調中的 IV - V : FM7 - G7。從 FM7 到 G7,在目標和弦 G7 前面放一個經過和弦 F#dim7 形成這樣的進行:FM7 - F#dim7 - G7,其中:
我們將 D7 與 F#dim7 再比較一下:










類似應用的例子,在流行歌曲裡很常見,像是:VI - V、iii - ii、ii - iii、I - ii ... 順階的進行,都可以在中間安排減七和弦,讓音樂更 Smooth。但是因為減七是比較緊張的和弦,所以使用上要留意就是,不要停留太久。

上述可以得到一個簡單的結論:在兩個順階和弦進行中安排一個經過的減七和弦,其實在理論上可用次屬和弦說明,同時也可以直接用目標和弦的 X7-9 來思考。

整理減七和弦的功能結論:連結兩個和弦,聽覺上就是更 Smooth。


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減七與半減七使用的角度還是有一些差異,一個用在順階和弦的代理,一個用來連接和弦 (Passing Chord, 或譯成經過和弦) 造成更 Smooth 的聽覺。


延伸閱讀(站內):
  1. 和弦基礎
  2. 減七和弦 (Diminished Seventh)
  3. 次屬和弦 (Secondary Dominant)

參考資料/線上資源:
  1. Diminished Seventh (Wiki)
  2. Half-diminished Seventh (Wiki)
  3. Secondary Dominant (Wiki)