[已搬移] 音階的本質

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[已搬移] Jack Thammarat - Emotive Ballad

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[已搬移] 數位音樂科技概論 (Concepts of Digital Music Technology)

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[已搬移] Some guitar practice tips & suggestions (一些練習吉他的提醒和建議)

Updated 2025/12/24: 本文不再維護，已搬移到 新位址

在 Youtube 的 Next level guitar 看到這段『十個練習吉他的提醒和建議』，不管是什麼樣的吉他手，都是一個不錯的自我修練的參考。



裡面的想法，和我的一些文字心得都很類似，有心想要學琴的朋友，或許可以當成是一個借鏡。

以下是中文簡單的整理、我的註解、還有站內相關文章對應參考：

這些建議在『吉他的基本功』裡都有提到，所以該文的連結就不放上了。


Know a LARGE catalog of CHORDS (知道和弦的大項目分類)：

就是要試著學習、了解、知道所有和弦的類別有哪些，例如常見的大三、小三 (不是最近流行的小三)、減三、增三、大七、小七、屬七、減七、附加和弦、六九和弦、掛留和弦、九和弦、延伸和弦、 ....

除了知道這些和弦的分類、知道他們的組成音，還要知道如何在吉他上按出來。一般來說，一個和弦至少五種基本按法、變化按法 ... 等。

這些東西很多，所以一個好的吉他手，應該不斷的學習新的和弦，不斷發展屬於自己特色的按法。不管是找特殊的按法、改變把位、省略某幾根弦、使用調弦法、用七弦琴、八弦琴 ... 都會有不一樣的想法。

上面都是吉他技術層面的東西，除了這些，另外也一定要知道的就是：這些和弦屬性 (級數關係) 在自然大調順階和弦裡扮演著什麼角色，他的功能性如何、甚至他有沒有其他可以互相代理的和弦 ... etc.

站內相關文章：

1. 和弦概念／工具表格：和弦基礎、和弦學習地圖、順階和弦表
2. 吉他和弦聲位的基本概念、TSD 代換、關係和弦

Know how to play SOLID RHYTHM　(知道如何去彈奏好的節奏)

吉他手不管是 Lead Guitarist (主奏吉他手) 還是 Rhythm Guitarist (節奏吉他手)，節奏本身在音樂裡都是非常重要的。節奏吉他手通常會是負責彈奏 Riff ，撐起整首曲子的主架構，同時和鼓手、Bassist 配合產生歌曲的主律動。

Lead Guitar 很多時候，負責歌曲的張力氣氛營造，通常 Solo 的句子節奏都不會是很單純的，例如：四連音、三連音、六連音之間的互換、付點、切分、常出現的五聲音階推弦 Lick、更進階的六音一組的十六分音符樂句、或者四音一組三連音樂句、等複雜的拍子 ... 等。所以找一些類似的經典 Solo 來練習，從中練習他的節奏型態，然後創造屬於自己的句子。

站內相關文章：

1. 如何練習 Lick
   

Develop your EAR (開發你的耳朵)

用耳朵『聽』進去，例如：呼應第一點，聽每個和弦類別的特色、感覺，用自己的形容詞記憶他。像是『掛留和弦』一文提到的記憶方法。

目的就是練習聽到、就要能彈出來。就像我們學習如何唱一首新歌的時候，不就是如此？

然後也要聽自己彈的東西、聽出優缺在哪、認真的面對，然後改善。現在錄音設備發達、方便、且品質又好，所以面對真實的自己，對自己的音符負責才是正確的學習態度。

很多吉他手習慣看六線譜，然後『用眼睛』彈吉他，彈出來的東西對不對也沒有去修正，經年累月下來，變成和一些 (不是全部) 彈古典鋼琴的人很像：只會看五線譜彈東西─變成只會看六線譜，耳朵都沒在聽，那就很可惜了。

另外，想要用耳朵彈東西的前提是：指版上的音階位置最好能夠熟練幾個把位，這樣比較能夠事半功倍，段落 『Know the NOTES one the NECK』提的。

站內相關文章：

1. 掛留和弦
2. 吉他手怎麼訓練音感
3. 怎樣練一首歌、練習的層次
4. 如何練習 Lick、聊聊 MIDI Guitar
5. 保護耳朵

Learn and  Develop LICKS (學習和發展樂句)
Just don't learn licks ... learn FROM the lick (不要只是在練 Licks，而是要從Lick當中學習)

這段在『如何練習 Lick』有詳細的說明。

簡單說，要試著去把聽到的東西應用到不同的地方、延伸他、發展他。聽到一段簡單的 Lick、一段 Riff，適合把他做延伸、變化、應用到不同的把位、調性、節奏、演奏技巧、甚至是音色／其他樂器。

站內相關文章：

1. 怎樣練一首歌、練習的層次
2. 如何練習 Lick、聊聊 MIDI Guitar

Know the NOTES on the NECK (知道指版上所有的音名)

不只是看六線譜，而是要知道指版上所有的音名位置。手上沒有吉他的時候，也能夠做視覺化的練習，以下是幾種常見的練習方法：

1. 指版視覺化：第五弦第七格是 E，表示成 (5, 7, E)、(4, 10, C)、(3, 9, E) ... 等。
2. 給一個音名，例如 Eb，然後很快的找出指板上所有的 Eb
3. 給一個音名，找出他的完全四度、完全五度
4. 給一個和弦、和調姓，找出一定範圍之內的所有順階和弦

上述的練習，手上是都不可以有吉他的，通常是坐車、搭捷運的時候可以這樣練習。

這部分很重要，但是很多學習者都很容易忽略他。認為只要看六線譜就夠了，但往往會造就不思考的習慣。這樣對於學習是很不好的。

站內相關文章：

1. 吉他音階學習引導

Don't Rely solely on tablature or just learn shapes (不要只是倚賴六線譜或者學習的指型)

上一段提到的，不要指是依賴六線譜，要知道對應的音名、然後知道彼此的音程關係，而是要知道六線譜表示的調姓是啥，是啥和弦。六線譜如果沒有寫出這些東西，自己試著去把他分析出來。好的六線譜應該都會提供這些資訊。

站內相關文章：

1. 怎樣練一首歌

Learn to analyze the chords to get the lead guitar roadmap (學習分析和弦進行和旋律的關係)

了解歌曲的和弦進行，分析和弦進行的模式，然後進而了解和弦和音階 (歌曲旋律、吉他 Solo) 之間的關係，這在站內『歌曲分析』類別裡有很多例子。

學習一新首歌的時候，都要試著去分析和弦進行， 像是：卡農進行 ，分析多了，對於歌曲的結構慢慢的會有概念，

站內相關文章：

1. 歌曲分析 類別
2. 怎樣練一首歌、練習的層次
3. 如何練習 Lick
4. 吉他音階學習引導、吉他和弦聲位的基本概念

Just don't learn scale alone ... also learn how to apply them (不要只是學音階，也要學習如何應用)

很多同學都喜歡探索各式各樣的音階，然後像考試一樣的，『背』了一堆音階。但是卻很少會去思考那些音階要怎麼用？有什麼歌曲用到那樣的音階？

這種學習模式有點像學英文，背字典，背一堆文章，但是卻還是不會說一樣。

站內相關文章：

1. 工具：音階學習地圖、音階基礎
2. 吉他音階學習引導

Learn the major scale cold (學習大調音階)

不管學習啥音階，像是吉他手應用特別多的五聲音階等，自然大調音階是最重要的，因為他是所有其他音階的參考依據，也是音程關係的定義來源。所以不管是不是吉他手，這個音階都會是很重要的，特別是 C 大調音階，一定要滾瓜爛熟。

站內相關文章：

1. 大調音階、小調音階
2. 工具：音階學習地圖、音階基礎

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十點很不錯的建議，在林正如老師的《征服琴海》也有類似的『十件事情』的想法，在『吉他的基本功』一文中也差不多都提到了這些東西。


我們眼前所看到的一切，被視為『理所當然』的事物，不管是日常生活當中手機、電腦、音樂、車、電、 ... 實際上，這些東西都是很多前輩、先知經過不知道多少歲月的努力、累積、去蕪存菁，最後得到的結果。


我們聽到一段理所當然的旋律，實際上可能是音樂家們的心血結晶，而他們背後的努力，是不被人們知道的。吉他手也是，大師之所為大師，不單單是他的天賦，還有他背後的努力與練習，所以：

『不要問多久，要問你自己，練習了多少。』

參考資料／延伸閱讀 (站外)：

• Top TEN guitar practice tips
• 林正如 - 征服琴海

更新紀錄：

• 20110430: 初版

[已搬移] 取樣的基本概念 (Concept of Sample)

Updated 2025/12/24: 本文不再維護，已搬移到 新位址

這是網友在鄉民站 Keyboard 版問的問題, 我花了一點時間回答基本的概念.


取樣 (Sample, 有時候也翻譯成 "採樣") 的基本的概念大概是這樣.
先錄一個鋼琴中央 C, 力度 mf (一般力道), 時間錄個 5 秒,
這個大小, 44.1k/16bit 的 wav 大概 200k 左右.
把這個檔案放到琴的記憶卡, 指定到對應的中央 C,
琴會依據這個取樣音色對應的位置, 利用演算法把其他的音 "算出來".
這是最簡單, 也是最基本的概念.

如果琴的記憶空間很大, 那麼同樣的一個中央 C,
可以多錄幾個動態, 例如常見的動態有:

• ppp (非常弱)
• pp (很弱)
• p (弱)
• mp (中弱)
• mf (中強)
• f (強)
• ff (次強)
• fff (最強)
• ffffffff (琴大概爛掉了 XDDDD)

不同的動態, 不同的強度,
好的琴會反映出不同的音色, 表情,
甚至是所謂的個性/靈性.

然後把這些錄好的動態取樣都放到琴裡, 指定動態範圍,

一般 KB 都是利用 MIDI 訊號來控制發聲的,
MIDI 的動態叫 Velocity, 範圍的細膩度有 0 ~ 127, 換句話說可以有這麼多的動態.
不過實際上, 一個鋼琴手能表現上述的八種動態已經算很不錯了 ...
所以利用 MIDI Velocity 範圍來指定, 例如:

1. 0 ~ 15: ppp
2. 16 ~ 30: pp
3. 31 ~ 50: p
4. 50 ~ 70: mp
5. 71 ~ 85: mf
6. 85 ~100: f
7. 101 ~115: ff
8. 115 ~127: fff

之後一樣, 指定到中央 C, 剩下的由 KB 利用演算法算出來,
這樣的取樣會比第一個更細膩.
這樣大概需要 200k * 8 = 1.6M 的空間.

要注意的是動態 (Dynamic) 和音量 (Volume) 是不一樣的東西;
前者是包含音色 (Tone) + 音量大小; 後者純粹只是功率的放大.
功率大小除非到很大的範圍, 例如破音 (Overdrive), 否則一搬來說不會改變音色.


第三種更細膩的取樣方式, 就是跟第二種一樣,
錄那麼多動態, 但是除了中央 C, 另外也錄 C0, C1, C2, C3, C4, C5, C6, ..
然後不同於第二種, 每一個取樣要指定有效範圍,
例如:

• C0: A-1 ~ B0
• C1: C1 ~ B1
• C2: C2 ~ B2
• .... 類推 ...

這樣子弄出來的 "取樣鋼琴" 就會更加的細緻,
更像一架完整的鋼琴.

更細緻的就是 88 鍵一個一個錄, 每個都錄 8 個動態.
所以這需要: 200k * 8 * 88 = 140MB

有時候為了讓聲音更自然, 同一個聲音, 會用三 ~ 五支麥克風,
分別在鋼琴不同的位置收音, 例如琴蓋上, 琴後方, 琴前面, 琴蓋全開/半開/關閉的聲音,
還有鋼琴裡收鋼琴的機械音 (琴搥敲擊聲, 踏板制音器的悶弦音 ... etc),
然後在錄音環境遠距離的地方收環境音 ....
這樣算一算, 一個聲音, 同時就有 6 ~ 8 個取樣,
如果按上述的全部取樣來算, 需要的空間就更可觀了 ~

※註：上述很多細節, 像是琴蓋開閉狀態, 環境音, 琴位置的收音, 比較少會真的收到那麼仔細, 大部分都會用 EQ / Reverb / Filter 之類的效果器處裡. 但是如果是在錄所謂的鋼琴演奏專輯, 就會收環境音, 不同的位置等, 讓聲音聽起來更立體 / 飽滿.

不過, 這是超級大工程,
而且取樣 (就是錄音啦) 時, 環境很重要,
這是另一個課題, 同時也是各家的關鍵技術所在.

所以很多琴都會標榜取樣波形 XXX MB ...
軟體音源會搞很大, 一架鋼琴用 15G 取樣,
就是這樣子弄出來的.

上述的只是基本概念, 各家的琴對於取樣的設定都有不同的方式,
但是概念是差不多的, 軟體音源也是.
Reason, Ivroy, NI, Komplete  .... 都有類似的概念.


以前記憶體很貴的年代, 大部分取樣的數量都有限.
所以一般的 KB, 都會有屬於自己的 "取樣技術",
其實簡單說就是壓縮技術 + D/A: 如何在那麼小的記憶體空間放入那麼多的音色.
壓縮過的波形檔還原之後, 能夠原音重現, 不失真.


無聊的話, 也可錄一個貓咪的叫聲, 然後用調音器測看看頻率在哪,
然後指定到到對應的位置, 剩下的讓琴去算,
然後就可以彈貓咪歌曲了 ...

呃, 也可以錄自己的聲音, 像 yoyo, yaya, wah wo ~~~~~

懶的錄, 就去網路找現成的, Yamaha MOTIF XS 有額外的取樣音色可以用.

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話說, 很久以前我取樣了自己家裡的風琴 (小學那種 49 鍵的),
搞了很多範圍 (A3, A4, A5 ..),
後來發現我家的老琴因為年代久遠, 音早就不準了 ...
而且, 我的 KB 裡面本來就有了, 而且還蠻像的 XDD


延伸閱讀 (站內)：

1. Loop 的概念與應用實例 - One Night in 北京
2. 鍵盤分類介紹 (一) , (二)
3. Digital Audio System
4. Yamaha MOTIF XS8 開箱文
5. 可以自行創造音階?

更新紀錄：

1. 20110111: 初版

[已搬移] 大調音階 (Major Scale)

Updated 2021/09/04: 本文不再維護，已搬移到 新位址

自然大調音階 (Natural Major Scale) 是西洋樂理的最基礎最根本, 他定義了所有西洋音樂理論的參考依據, 包含音符的名稱, 也就是音名 (Notation Name or Note Name), 然後還有音程 (Interval), 音程協和度 (Consonances), 然後依據音程協和度關係隨之衍生的和聲系統 (Harmony).

我們使用的音樂上相關的名詞, 定義, 還有很多重要的資訊, 都是參考自然大調的定義, 所以了解最基本的自然大調是學習音樂時必要的. 自然大調音階口語上沒有特別說明, 都是指自然大調, 像是說 A 調, 指的就是 A 大調 or A 自然大調; 口語上的 "自然音階", "大音階" 也都是表示自然大調音階.


C 大調音階

音級 Scale Degree	I	II	III	IV	V	VI	VII
音名 Notation Name	C	D	E	F	G	A	B
功能 Functional	主音 (Tonic)	上主音 (Supertonic)	中音 (Midiant)	下屬音 (Subdominant)	屬音 (Dominat)	下中音 (Submidiant)	導音 (Leading Tone)
簡譜 Numbered System	1	2	3	4	5	6	7
唱名 Solfege	Do	Re	Mi	Fa	Sol	La	Ti
音程 Interval	完全一度 (P1)	大二度 (M2)	大三度 (M3)	完全四度 (P4)	完全五度 (P5)	大六度 (M6)	大七度 (M7)

中央 C4 與標準音 A4

中央 C 定義為 C4, 也就是鍵盤上第四個 C. 音階在鋼琴 / 鍵盤上, 左到右是由低到高, 12 半音 (八度) 一直循環. 一架 88 鍵的鋼琴共有 7 個完整的八度. 如下圖 (點選看全圖):

音階的物理定義, 一般定義中央 A4 (標準音) 為 440Hz, 有些交響樂團會用 442Hz. 有的時候為了讓主奏的聲音在樂團裡突出, 管絃樂團的首席小提琴首會用參考比樂團高的標準音, 讓他的聲音更突出.


全音, 半音 (Whole Tone, Half Tone)

根據十二平均律的定義, 把一個倍頻的關係中間再分成十二個部分 (注意: 不是十二等份), 這十二個音是指數關係. 想像成銀行存款複利的關係. 詳細的關係計算方式, 請參閱 "可以自行創造音階?" 以及表格 "樂器音階頻率表".


各國的名稱系統 (Note Name)

我們在學習 "西洋" 音樂時, 主要是以英美的系統為主. 但是在古典音樂裡, 歐洲才是音樂的發源地. 所以實際上很多音樂術語, 都不是英文. 所以稍微了解一下一些 "音樂" 文化大國 (就是很多音樂偉人誕生的地方) 的術語, 是有必要的. 最簡單的就是各國的音名, 如下表:

國家	I	II	III	IV	V	VI	VII
德國	C	D	E	F	G	A	H
中日	C	D	E	F	G	A	B
義大利	Do	Re	Mi	Fa	Sol	La	Si
法國	Do (Ut)	Re`	Mi	Fa	Sol	La	Si
英美	C	D	E	F	G	A	B

所以不難發現, 德國的第七個音不是稱 "B", 而是 "H". 義大利和法國則是直接借用唱名


唱名 (Solfege):

唱名是音樂的一種 "音標", "注音符號", "形聲". 主要目的是用來 "唱" 出音階的音程關係. 一般國際通用的就是定義大調音程七個音唱成 "Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Ti (Si)". 要注意的是, 唱出的 "關係" 是大調的音程關係.

實際上上述七個音只是一個代號, 我們也可以唱用 "ㄅㄆㄇㄈㄉㄊㄋ" 來唱這七個音, 只要音準夠就好.

詳細且更多的唱名介紹請參閱 "關於唱名", "固定唱名? 首調唱名?".


升降記號

升降記號是已自然大調的音名為參考而產生, 根據音程的變化作修飾, 往上則是升記號 (#), 往下則是降記號 (b). 詳細介紹請參閱 "升降記號" 的詳細說明.

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音程 (Interval)

自然大調依據人們對於 "兩個音" 共震時的感覺, 定義了音程的基本關係, 其中最初讓人覺得聽起來協和的音程 (Consonant Interval) 首先被定義了, 他們就是完全協和音程 (Perfect consonances) 和不完全協和音程 (Imperfect consonances) 兩種，這兩種也就是日後自然大調、自然小調的音程關係, 還有和弦名稱命名定義的依據。

音程種類大概大概有以下幾種:

1. 完全音程 (Perfect, 也有書翻譯成純音程): 大部分的人們聽起來會覺得最完美的諧和, 穩定, 也就是所謂的完全協和音程 (Perfect consonances). 如下表:
   
   

   音程名稱	英文	英文縮寫 (注意大小寫)	說明	例子
   完全一度	Perfect Unison	P1	英文 Unison 有些書也會用 Prime 這個字.	C-C
   完全四度	Perfect Fourth	P4	吉他上除了二三弦之外, 其他兩兩相鄰的弦都是完全四度的關係. 物理上是根音的 4/3 倍.的頻率	C-F G-C A-D
   完全五度	Perfect Fifth	P5	吉他的 Power Chord 就是 P5 的關係. 物理頻率和根音比是 3/2.	C-G G-D A-E
   完全八度	Perfect Octave	P8	也就是一般說的八度音程, 物理上就是兩倍的頻率關係.	C-C

   超過八度的完全音程有完全十一度 (P11), 完全十二度(P12), 完全十四度(P14), 就跟上述的 P4, P5, P8 一樣, 意義上比較不大.
   
   
2. 大音程 (Major): 自然大調音階上, 除了完全音程 (Perfect) 之外, 其他都是大音程. 這一類的大三度和大六度是屬於不完全協和音程 (Imperfect consonances)，也就是聽起來沒有像完全音程 (Perfect) 那麼完美，但也是算和諧的。如下：
   
   

   音程名稱	英文	英文縮寫 (注意大小寫)	說明	例子
   大二度	Major Second	M2	一個全音、兩個半音的距離。	C-D E-F#
   大三度	Major Third	M3	兩個全音、四個半音的距離。	C-E G-B A-C#
   大六度	Major Sixth	M6	一個 P5 + 一個全音、九個半音的距離	C-A E-C#
   大七度	Major Seventh	M7	一個 P5 + 兩個全音、十一個半音的距離。	C-B A-G#
   大九度	Major Ninth	M9	一個 P8 + 一個全音. 理解時可以參考大二度, 但是大九度屬於遠距音程, 一般在音程諧和上，比大二度還協和。	C-D

   注意：有增四度、減五度，但是沒有所謂的『大四度』、『大五度』這種名詞，如果聽到一個樂手說出大四度這樣的名詞，表示他對音程的認識還不夠。
   
   
   
   
3. 小音程 (Minor): 大音程減一個半音就是小音程，其中的小三度和小六度屬於不完全協和音程 (Imperfect consonances)；小二度和小七度則屬於不協和音程 (Dissonant)。
   

   音程名稱	英文	英文縮寫 (注意大小寫)	說明	例子
   小二度	Minor Second	m2	一個半音的距離。	C-Db E-F
   小三度	Minor Third	m3	三個半音的距離。	C-Eb G-Bb A-C
   小六度	Minor Sixth	m6	一個 P5 + 一個半音、八個半音的距離。	C-Ab E-C
   小七度	Minor Seventh	m7	一個 P5 + 三個半音、十個半音的距離。	C-Bb A-G
   小九度	Minor Ninth	m9	一個 P8 + 一個半音。	C-Db

   
   
   
4. 減音程 (Diminished): 完全音程或者小音程再減一個半音就會變成減音程. 其中的減五度聽起來的感覺很讓人不舒服, 詭譎, 拗口 .... etc, 所以屬於不協和音程 (Dissonant).
   
   

   音程名稱	英文	英文縮寫 (注意大小寫)	說明	例子
   減二度	Diminished Second	d2 ~ P1	小二度再減一個半音, 平均律時頻率等於 P1。	C-Dbb
   減三度	Diminished Third	d3 ~ M2	小三度再減一個半音, 平均律時頻率等於 M2。	C-Ebb
   減四度	Diminished Fourth	d4 ~M3	完全四度再減一個半音, 平均律時頻率等於 M3。	C-Fb
   減五度	Diminished Fitth	d5	完全五度再減一個半音, 平均律時頻率等於增四度 (A4)。 也就是所謂的三全音 (Tritone)	C-Gb
   減六度	Diminished Sixth	d6 ~ P5	小六度再減一個半音, 平均律時頻率等於 P5。	C-Abb E-C
   減七度	Diminished Seventh	d7 ~ M6	小七度再減一個半音, 平均律時頻率等於 M6。 最常見的就是減七和弦的音程。 詳見 "升降記號" 的詳細說明.	C-Bbb

   灰色的音程一般比較少出現, 他是他們依舊存在著. 最常出現的大概就是減五度和減七度.
   其他超過八度的延伸和弦 (Extended Chord) 名稱一樣.
   
   
5. 增音程 (Augmented): 完全音程或者大音程再加一個半音就會變成增音程. 增四度和減五度的距離是一樣的, 只是角度不一樣, 所以他們都是不協和音程 (Dissonant).
   

   音程名稱	英文	英文縮寫	說明	例子
   增二度	Augmented Second	A2 ~ m3	一個全音再加一個半音的距離。 平均律的頻率等同於小三度 m3	C-D#
   增三度	Augmented Third	A3 ~ P4	兩個全音再加一個半音的距離, 平均律時頻率等於 P4。	C-E#
   增四度	Augmented Fourth	A4	等同於減五度 d5. 也就是所謂的三全音 (Tritone)	C-F#
   增六度	Augmented Sixth	A6	一個 M6 + 一個半音的距離。 平均律的頻率等同於小七度 m7	C-A#
   增七度	Augmented Seventh	A7 ~ P8	一個 M7 + 一個半音, 平均律時頻率等於 P8。	C-B#

   同樣的, 灰色的部分一樣是存在著, 但是實際應用時, 除非有特殊意義, 否則會用小音程來說明.
   
   ※注意, 增減音程提到的例子寫的升降記號, 即使 B# = C, Bbb = A 是同一個音, 但是意義上是完全不一樣的. 詳見 "升降記號" 的詳細說明.
   
   

純律和平均律:

純律和平均律都是不同的調音方式. 現行的大多都是平均律. 這邊的平均律指的是巴哈的十二平均律. 十二平均律主要的好處就是方便轉調. 純律是以頻率的比例關係, 聽起來比較 Smooth.

一般在平均律的 Bb 和 A# 頻率是一樣的, 但是在純律是不一樣的. 當然 Bb 和 A# 兩者不管是純律還是平均律, 意義上都是不一樣的, 詳見 "升降記號" 的詳細說明.

但是不管純律還是平均律, 他們都定義了大調音程. 雖然實際上有一些差異.

※版權所有，未經允許，請勿隨意轉載※

所以簡單整理了一些自然大調的一些定義. 實際上這些東西在學音樂的過程當中, 或許不是有絕對的必要性, 但是卻是整個西洋音樂演進的一個過程和定義. 即使已經經過數百年的演進, 但是很多東西依舊如同先知們驗證的那樣 (特別是音程的定義).

在人類還不知道大調音階的關係之前, 很多先人嘗試了各式各樣的方法, 想找出一組聽起來最好聽, 最自然, 最安定的組合. 而經過數百年的演進, 探索, 實驗, 證明, 最後歸納出兩組音階, 分別是自然大調, 自然小調, 這兩組音階就是大部分的人們聽起來覺得最感到舒服的組合.

大調音階和小調音階在聽覺上是一個對應的關係, 就如同中國的陰陽兩極一樣. 所以了解這兩個是有其必要性的.



延伸閱讀（站內）：

1. 小調音階 (Minor Scale)
2. 音階基礎
3. 關於唱名
4. 轉調曲例
5. 可以自行創造音階?
6. 樂器音階頻率表 (十二平均律)
7. 吉他音階學習引導

參考資料／線上資源：

1. 純律 (Just Intonation) - Wiki
2. 十二平均律 - Wiki
3. 音程 Interval - Wiki
4. Note
5. 簡譜
6. 鋼琴調音 440Hz 和 442Hz - 廷廷的鋼琴論壇
7. History of U.S. Standard Pitch, A=440Hz

更新紀錄:

1. 20101016: 初版
2. 20101128: 修正音程協和的描述
3. 20120604: 修正小二度, 小三度的錯誤描述 (感謝同學的指正)

[已搬移] 吉他音階學習引導 (Guide to Guitar Scale Pattern)

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址 

[已搬移] 升降記號

Updated 2021/09/04: 本文不再維護，已搬移到 新位址

音符 (note) 的升 (sharp, #) 降 (flat, b) 記號代表著音符改變的方式, 每次改變是以半音 (semi-tone) 為單位. 常常有朋友會問我, 為什麼要說 Eb 調, 而不說 D# 調? 或者什麼時候該說 Eb 調? 什麼時候該說 D# 調?


升降音的基本意義

從大範圍的視角來看, 像是歌曲段落之間的視角, 升降是一種相對的概念, 升記號暗示著音符由低往高升, 通常表示情緒向上, 變的更加激情, 亢奮, high ... etc; 反之, 降記號就是代表由高往低降, 通常表示情緒往下沉, 變的更低落, 失望 ... 等.

小範圍的角度來看, 像是音符跟音符之間關係/互動, 升降記號的概念有點類似於吉他的垂勾技巧, 升記號就類似於 "搥弦 (Hammer-on)", 是讓音符往上移動的技巧. 反之, 降記號就相對於 "勾弦 (Pull-off)".

所以這提到了一個很重要的關鍵, 就是起始音符 (begin note) 到目標音符 (target note) 的一個過程, 升降記號代表著由上往下, 或者由下往上. 聽起來有點像繞口. 舉例來說:

• Eb: 使用降記號, 所以表示是由上往下的概念, 可能是 E -> Eb. 
• F#: 使用升記號, 所以表示是由下往上的概念, 可能是 F -> F#

所以基本概念很簡單.


調號與臨時記號

"調號 (Key Signature) " 也就是五線譜上高低音譜表上升降記號數, 也就是一般流行歌曲的 Key, 他代表整個歌曲大範圍的調性, 如下圖 (From Memorizes of Lightwave) 有兩個降記號, 調號為 Bb or Gm 調:

"臨時記號" 代表一小節以內臨時的變化. 但是要留意原本調號已經改變的音符. 如下圖: (From Memorizes of Lightwave) 表 Bb or Gm 調裡, 小節裡有一些音符作了暫時性的變化, 譜中第一小節改變的有: Cb, Gb, Db

上述中的 Cb 不寫 B, 因為 B 的位置, 在譜上表示 Bb 這個音.

如果你是一個軟體工程師 (software developer), 那麼這樣說就容易懂了:

• 調號: 全域變數 (global variable) 
• 臨時記號: 區域變數 (local variable)

That's all. :D

重升與重降記號

重升記號 (Double Sharp) 一般用 'x' 表示, 像是 A^x, 表示連續升兩個半音. 所以 A^x 可以等於 B. 但是意義上可能不太一樣.

重降記號 (Double Flat) 則用兩個降記號表示, 像是 A^bb, 表示連續降兩個半音, A^bb 可以等於 G. 為了方便閱讀它們通常都會被上標.

最常見的例子就是減七和弦 (Diminished Seventh) 的音程表示:

• Xdim7: 1 b3 b5 bb7

減七和弦的由來可以這樣解釋, 從大七和弦開始:

1. Xmaj7: 1 3 5 7
2. X7: 1 3 5 b7 or Xm^(Maj7): 1 b3 5 7
3. Xm7: 1 b3 5 b7
4. Xm7-5: 1 b3 b5 b7
5. Xdim7: 1 b3 b5 bb7

簡單說是有一些先後關係的.

有些書會把減七和弦的音成關係寫 1 b3 b5 6, 嚴格講這是不對的. 這邊的 bb7 意義上是如同本文第一段描述的基本定義, 升降記號代表著起始音符 (begin note) 到目標音符 (target note) 的一個過程,.所以這邊雖然大七度連續降了兩次, 但是這個和弦是由七和弦改變而來的結果, 所以理解上我們依舊用原本七和弦  (Seventh Chord) 來命名, 表示這個即使經過了這麼多變化, 還是具備七和弦的血統.

以音程的概念來說, 減七和弦其中的兩個 b5, bb7 分別都是代表減音程 (Diminished) 的概念:

• b5: 完全五度 (P5) -> 減五度 (dim5)
• bb7: 大七度 (M7) -> 小七度 (m7) -> 減七度 (dim7)

另外會出現這種重升降的地方, 就是在一些調號不是 C/Am 的歌曲裡, 像是和聲小調裡, 要把自然小調音階第七個音升半音, 為了要表示這個 "升" 的概念, 加上如果本來的第七個音已經標升號了, 這時候就會用到重升記號了. 如下圖, 為 G# 和聲小調音階:

G# 小調 (B 大調), 本來已經有五個升記號, 第七個音原本為 F#, 必須再升一次形成和聲小調. 所以會變成 F^x, 不寫 G 因為調號上 G 本來就要升, 不用本位記號, 因為本位記號無法表達出和聲小調第七個音要升的意圖.

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同音異名

只要提到音程概念, 有時候就會遇到這樣的問題:

我: "B 升半音是啥?"

同學 A: "升 B 阿"
同學 B: "不對, 就是 C 啦!!~~"

同學 A 的回答錯嗎?
當然也對, 只是是否適切而已.

問題也常會換成: "E 升半音是啥? "  或者 "F 降半音是啥?"

前述的例子中已經出現 Cb 這樣的音符了, 它的意義從上述調號和臨時記號的關係應該不難理解.


歌曲例子

梁靜茹 - 誘惑的街 (原唱林憶蓮)
歌曲 Key: D -> B -> D -> D# -> E
五線譜的調號寫法: D -> B -> D -> Eb -> E

五線譜為了表示和書寫排版的便利, 所以選擇用五度圈左右的調性來表示. D# 調有很多升記號, 有多少? 可以看這個表: 五度圈順階和弦表. 改用 Eb 調號表示就只有三個降記號, 一目了然.

另外藍調與調式歌曲調號的選擇, 這在藍調裡似乎不是那麼重要, 但是如果會應用到調式, 那麼就相當重要了. 類似的基本概念請參閱 "怎樣練一首歌" 的調號, 另外 "五聲音階與調式音階的關係" 也有一些類似的想法, 有興趣的朋友可以參考看看.



升降記號書寫位置

升降記號一般書寫, 升記號用 "#", 降記號用 "b" 表示, 大部分會上標. 描述音名的時候, 老外唸法是 A Flat, F Sharp, 所以大部分也都習慣性依照老外的念法, 將升降記號放在音名的右邊, 也就是: Ab, F#

如果描述音程, 唱名, 級數, 也就是數字 1, 2, 3, .... 7, 等, 我習慣以中文念法, 先升降記號, 然後再放上數字, 也就是: b6, #4. 台灣的樂譜專業出版社 - 卓著 - 也大致上是這樣標示的. 不過他們的和弦把升降記號放後面 (ex: 6bm), 旋律則放前面.

五線譜上的表示法則是和數字級一樣, 把升降記號放在音符的前面.

上數是大部分的慣例, 現在網路資訊發達, 有時候也會看到一些譜把升降記號全部都放音符, 數字的前面, 或者後面. 實際上我個人覺得沒有對或錯, 只要能夠看到懂就好. 只是當一堆十六分音符寫在一起時, 要先弄清楚升降記號的位置意義, 才不會造成閱讀溝通上的誤會.

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升降記號實際上有兩個層面的意義, 一個是實際音樂上的意義, 一個是屬於樂譜呈現的意義. 當然吉他手比較不太需要 care 五線譜呈現的意義, 因為如果只看六線譜, 是不會發現有這個問題的. 可是如果是鍵盤手, 這就是一個必須要知道的概念.

但是如果要分析歌曲, 對於這種升與降的用法, 的改變, 必須要能夠透過耳朵或者樂譜判斷出來, 這樣如果要分析進階的理論, 才會有基本的依據.


延伸閱讀 (站內)

1. 五度圈
2. 五度圈順階和弦表
3. 怎樣練一首歌
4. 減七和弦 (Diminished Seventh)
5. 小調音階
6. 五聲音階與調式音階的關係
7. 歌曲分析 - Memorizes of Lightwave

更新紀錄

1. 20100619: 初版

[已搬移] 卡農進行 (Canon Chord Progression)

Updated 2021/09/12: 本文不再維護，已搬移到 新位址

卡農 (Canon) 是一種譜曲的技巧, 利用對位法 (複格) 重複的特性, 利用同樣的音符, 不斷的重疊出很有層次的旋律面, 造就越聽越好聽, 而且越聽越優美的特性.


應用這種技巧最有名的大概就是帕海貝爾 (Pachelbel) D 大調卡農, 還有重新詮釋這首曲子的音樂家們:

1. Pachelbel Canon in D Major (弦樂版)
2. George Winston - Variations on the Canon by Pachelbel: 喬治溫斯頓 四季鋼琴專輯中, 改編的帕海貝爾卡農鋼琴變奏曲
3.  Rock Canon (Listen): 台灣吉他手JerryC 重新改編的
4.  Aphrodite's Child - Rain and tears: 另外一首用卡農技巧的經典歌曲.

帕海貝爾 D 大調卡農從電影 "我的野蠻女友" 之中以插曲出現之後, 然後台灣的吉他手 JerryC 改編成 Rock Canon, 使的這首本來就很紅的歌, 又更紅了.

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不過這邊我想聊的是關於帕海貝爾 D 大調卡農 (本文以 "卡農"  表示此曲) 的和弦進行應用, 網路上很多人管他叫黃金八級, 不過我個人習慣借用卡農這首歌的知名度來稱呼這組和弦進行 - 卡農進行 (Canon Chord Progression).

在流行歌曲當中, 不管是中文或者西洋歌曲, 因為應用卡農進行的歌曲甚多, 特別是 Ballad (敘事) 曲. 所以我個人覺得這組和弦進行有必要特別整理討論它的各種常見的應用模式. (不常見的不表示沒有 or 不行.)


為了方便解釋, 還是用 C 大調來說明這組和弦進行:


卡農進行基本形
| 1 | 5 | 6m | 3m | 4 | 1 | 2m | 5 |

舉例:
| C / / / | G / / / | Am / / / | Em / / / |
| F / / / | C / / / | Dm / / / | G / / / |

這組進行, 只用到基本大調順階三和弦的一到六級, 直接彈就已經很好聽了, 而且有帕海貝爾卡農的感覺, 是直接用來套歌曲 (採譜), 寫歌很好的參考樣式 (Pattern).


基本應用一: 增加降冪 Bass Line

| 1 | 5/7 | 6m | 3m/5 | 4 | 1/3 | 2m | 5 |

舉例:
| C / / / | G/B / / / | Am / / / | Em/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm / / / | G / / / |

這是最常用的變化, 很多歌曲都會出現這種組合. 剛好這一組和弦進行增加降冪使用到的音, 都是和弦內音, 所以合諧度很高. 除了保留和弦進行本身的效果, 同時增加了低音的層次感.


基本應用二: 把順階三和弦換成順階七和弦

三和弦: | 1 | 5 | 6m | 3m | 4 | 1 | 2m | 5 |
七和弦: | 1M7 | 57 | 6m7 | 3m7 | 4M7 | 1M7 | 2m7 | 57 |

舉例:
| CM7 / / / | G7 / / / | Am7 / / / | Em7 / / / |
| FM7 / / / | CM7 / / / | Dm7 / / / | G7 / / / |

很基本的應用, 通常應用在改編成鋼琴版 or 吉他版, 不插電 (Unplugged) 會很常見這樣的例子.


基本應用三: 順階七和弦和順階 Bass Line 搭配而改變的和弦代換

基本形: | 1 | 57    | 6m | 3m    | 4 | 1M7 | 2m | 5 |
變化一: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 3m7 | 2m | 5 |
變化二: | 1 | 3m7/7 | 6m | 3m7/5 | 4 | 3m7 | 2m | 5 |

• 3m7/7 (3572) 替換原本的 57 (5724), "替換" 不像 TSD 代理那樣, 要考慮 TSD 的功能性, 這邊指是純粹用來代換, 製造出新的和弦進行.
• 3m7 (3572) 代換 1M7 (1357): 這就是很明確的功能 TDS 代換
• 6m7/5 維持 6m 同時增加了把六級的七度音當根音用. 有時候 6m7/5 也可直接改成 3m7/5

舉例:

| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | Em7 / / / | Dm / / / | G / / / |


基本應用四: 其他 TSD 代換

參考形: | 1 | 57 | 6m | 3m/5 | 4   | 1M7 | 2m | 5 |
代換後: | 1 | 57 | 6m | 3m/5 | 2m7 | 3m7 | 4  | 5 |

這可以換的就很多了, 這裡舉的例子是最常見的, 後四小節本來聽起來是降冪的, 變成升冪的感覺. 其中 2m 代 4, 3m7 代 1M7, 4 代 2m 應該不難理解. 基本觀念可以參考 "TDS 和聲代換" 的說明.


基本應用五: 經過和弦 / 改變拍點

基本形: | 1 | 5/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m | 5 |

我們提到這個基本形的時候, 並沒有特別去強調和弦的位置和拍子的關係, 但是當同樣的組合, 當每小節有兩個和弦時 (通常是慢歌), 我們做一個拍子上的位置變化, 改成如下:

原本和弦位置: | 1 / 5/7 / | 6m / 6m7/5 / | 4  / 1/3 / | 2m / 5 / |
改變和弦位置: | 1 / / 5/7 | 6m / / 6m7/5 | 4  / / 1/3 | 2m / / 5 |

把每小節第三拍的和弦改在第四拍彈, 當成經過和弦使用.


接下來的部份是稍微用了一些和聲技巧的應用, 雖然說進階, 實際上提到的應用, 也都是很常見的應用技巧.


進階應用一 - Line Cliches

參考形: | 1 | 5/7 | 6m | 6m/5  | 4   | 1/3    | 2m    | 5 |
應用一: | 1 | 5/7 | b7 | 6m    | 4   | 1/3    | 2m    | 5 |
應用二: | 1 | 5/7 | 6m | 6m7/5 | 2m7 | 2m7/#1 | 2m7/1 | 5 |

參考任一組基本應用的原形或者是代換結果, 將前四小節或者後四小節用 Line Cliches 這種技巧取代.

另外一點可以思考的就是, line cliches 這種技巧,  不是只有在低音做半音變化, 也可以在其他地方做半音變化, 像是高音的部份.

更多關於 Line Cliches 相關請參考 "掛留和弦 (Suspended Chord)" 一文的說明.

進階應用二 - 次屬和弦 (Secondary Dominant)

上述提及的基本應用的進行, 都可以這樣套, 例如:

次屬和弦代換: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m 2/#4 | 5 |

舉例:
| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm7 / D/F# / | G / / / |


進階應用三 - 調式內轉 (Modal Interchange)

同樣的, 上述提及的基本應用的進行, 都可以這樣套, 例如:

代換一: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m7-5 | 5 |
代換二: | 1 | 3m7/7 | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | b6    | b7 |
代換三: | 1 | b7    | 6m | 6m7/5 | 4 | 1/3 | 2m |  5 |

舉例一:
| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |
| F / / / | C/E / / / | Dm7-5 / / / | G / / / |

舉例二:

| C / / / | Em7/B / / / | Am / / / | Am7/G / / / |

| F / / / | C/E / / / | Ab / / / | Bb / / / |

舉例三:

| C / / / | Bb / / / | Am / / / | Am7/G / / / |

| F / / / | C/E / / / | Dm / / / | G / / / |

例二, 三都是直接改編和弦進行的方式, 原則就是直接藉用小調的和弦進行. 這兩個例子在流行歌曲裡面都是很好用的編曲技巧.


其他應用 - 加入裝飾和弦

裝飾和弦包含了:

1. 掛留和弦 (Suspended Chord, Xsus4, Xsus2, X7sus4, X7sus2 ... etc)
2. 附加九和弦 (Added 9th Chord, Xadd9)
3. 六九和弦 (X6/9)
4. Slash Chord: F/G = Fadd9, G/F = G7

這就很多了, 常會和順階七和弦並用.


這些類似的應用我相信歌曲彈到一定數量的朋友, 一定都很熟析. 而且有很多各式各樣的應用變化. 我這邊只是把他們整理成比較有系統的分析而已. 而且這些應用, 有些可以交叉使用, 搭配一些轉調的技巧, 變化就很多了..

其他還有很多是在編曲的時候利用技術的方式來應用, 那又會更豐富了.

如同『藍調』12 小節的和弦進行。如果每次溝通都要說『12 小節進行』其實很詭異，倒不如直接用個有意義的名稱代表。『藍調』就是這個和弦進行的名稱、代表、感覺。表演的時候通常只會說『B Blues』，不會說『B Key, 1141 1144 5411』進行，說完大概黑掉了。。。

以後的表演，只要 Band Leader 說『A 卡農』，然後大家就開始 Jam ，那這篇文章就成功了 XDD

其實不只卡農進行, 其他出現頻率也很高的和弦進行, 像是 1645, 1625, 6415, 1564, 251 ... 等 ... 不管是中文歌曲, 還是西洋歌曲當中, 出現頻率也是異常高. 同樣的在應用上, 也可以參考本文的一些和聲技巧, 做變化, 然後加上段落轉調變化, 基本上歌曲就很豐富了.

1645 or 1625, C 大調就是 C Am F G or C Am Dm G, 是台灣一般初學吉他會學的. 另外 6415 和 1564 在國外的一些流行歌則是出現頻率異常的高, 6415 較常出現在流行搖滾, 1564 則是一般抒情歌. Youtube 有一段很有名的 4 Chords Song 就是 1564 進行.

因為上述這些和弦進行出現頻率很高, 所以在學習上, 我也把他列入基本功的範疇, 在 吉他基本功 也有特別列出這些進行. 在練習歌曲時, 也要盡量學習試著分析, 只要歌曲的數量夠多, 這些和弦進行就容易被注意到, 進而加速學習的效果. 在 怎樣練一首歌 也提到, 除了掌握技巧, 也要了解和弦進行和旋律的關係. 如此, 才能更有效率的學習, 享受音樂.

※ 版權所有，謝絕轉載，請尊重著作權法 ※

我個人第一次聽卡農曲是國小聽國內的音樂家 - 賴英里長笛專輯中一首 Rain and Tears, 歌曲就是改編著名的經典老歌 Aphrodite's Child - Rain and tears.那時候只是單純覺得這歌好優美, 越聽越好聽.

等到開始學吉他之後, 漸漸的發現一些流行歌曲當中的和弦次序 (那時候還不懂啥叫和弦進行, 也不懂調性的概念, 不過已經可以直接聽出調姓的特徵) 和這首 Rain and Tears 根本就是差不多. 而且很多時候都一模一樣, 直接套上去就好. 久了之後, 這就變成一個常用的模式 (Pattern).


玩音樂一段時間, 大家都會發現, 卡農進行出現的頻率是流行音樂中最高的. 因為它具備了讓音樂好聽的特性. 但是同一個東西, 可以如此重複使用, 然後寫出那麼多歌曲.

幕後的編曲工作者, 他們每次拿到這樣的曲子的時候, 還是必須要依照製作人的指示, 弄出不一樣的花招, 讓同樣一組和弦進行, 聽起來不但不陳腔濫調, 反而是讓人有耳目一新的感覺.

每次只要聽到這樣的曲子, 我都會想, 如果我是一個編曲工作者, 當我每次拿到的曲子都是這樣的和弦進行, 那我要怎麼編? 所以想想那些編曲前輩們, 實在是很佩服他們的創意和巧思.



延伸閱讀 (站內)

1. TDS 和聲代換
2. 次屬和弦 (Secondary Dominant)
3. 掛留和弦 (Suspended Chord)
4. 調式內轉 (Modal Interchange)
5. 和弦基礎
6. 轉調曲例
7. 吉他基本功
8. 編曲方法論: 理論編曲和技術編曲
9. 怎樣練一首歌

延伸閱讀 (站外)

1. Canon (Wiki)
2. JerryC - Rock Canon
3. [Youtube] 4 Chords Song
4. [Youtube] 為什麼流行歌聽起來都這麼像？
5. [Youtube] 我恨 帕海貝爾卡農！
6. 華語流行歌曲中的 "Rhythm Changes" —最常被使用的一段和絃進行

更新紀錄

1. 20100327: 初版
2. 20100328: 增加 "基本應用五" 以及 "編曲者的思維".
3. 20141208: 增加常用和弦進行描述, 以及額外參考資料.
4. 20160430: 補充藍調的比喻

盧廣仲 - Oh Yeah - 歌曲分析

Oh Yeah!!!!!!!!!!!!!
首先要感謝盧小仲寫出這麼棒的曲子,
真是太棒了!!!

曲子的好, 在於很多方面,
從音樂技術的角度來看: 曲, 和聲, 節奏, 吉他的技巧, 編曲 ... 都是很棒的.
歌曲成分融合了 Funk, Blues, Jazz, 當然還有 Rock ~~~
主旋律中包含了大量藍調音, 調式音階 (Dorian) ~
基本上 "旋律上" 我把他歸類為藍調為主架構的曲子.

從人文的角度: 歌詞很簡單, 很正面的表達了, 環保, 還有情竇初開的感覺  >/////<
加上盧小仲親自彈吉他給大家看, 真是超讚的啦 ~~~




接下來我們來看看正題, 分析歌曲的結構和和弦,
一般吉他想要跟 CD 彈, 要先全部降全音, Key 才會對到.
歌曲當中有很多反拍 (大黑點) 的部分,
所以要仔細的把這些地方彈出來才會 oh yeah .

Key: F 
Tempo: 140      
Play: G

Tuning: 全部降全音 (D G C F A D, 6->1)

Verse:

| G ● Db / / | Am7 ● Cm7 / / |
| Bm7 ● Em7 / / | Am7  ● Am7/D / / |

Pre-Chorus:

| Am7-5 / / ● G | G / / ● Bm7 | Bm7 / / ● A | A / / / | 

| Dm7 / / ● Cm7 | Cm7 / / Am7-5 | Gsus4/D / / / | Gsus4/D / / / |  

Chorus: 

| G / / ● Dbm7-5 | Dbm7-5 / / / | Cmaj7 / / ● Cm7 | Cm7 / / / | 

| Bm7 / / ● Bbmaj7 | Bbmaj7 / / / | Am7 ● Am7/D / / | Am7/D / / / | 

主要大致上分成這三大段,中間還有一段間奏取材自 Verse, 改成節奏上的變化.

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先看看吉他技術方面, 要做哪一些練習, 才會有效率:



第一個部分是節奏:

要練這首歌, 最重要的是歌曲的節奏,
曲子當中很多重音都在反拍, 而且切分, 加上 16 beat 的 funk rhythm,
這個部分算是整首曲子的靈魂律動所在 (Groove).
練習的時候要跟著節拍器把拍子算好, 才能彈出會其中的 oh yeah ~~

必要的話, 要去練一些基本的 Funk 手法, 這些上 youtube 找一下,
有很多資源可以參考.

第二個部分是和弦/和聲:

曲子以七和弦為主, 所以順階七和弦不用說, 一定要熟練,
而且每一個和弦最少會三種以上的按法是基本的.

更多吉他和弦聲位基本概念請參考 "吉他和弦聲位概念" 的介紹.

歌曲雖然是 G, 但是由於和聲非常的 Jazz, 所以除了基本的順階七和弦,
另外還有很多減七和弦 (Xdim7), 半減七減五 ( Xm7-5) , 11 和弦 ... 等.

會出現這些東西主要是因為做了很多和聲上的變化, 和 TSD 代換 的關係.
同時也會適時的作變化, 改變成延伸和弦 (Extended Chord),
編曲上的構思, 同樣的和弦進行, 第一次和第二次都會作一些變化.


和聲分析:

接下來就來分析歌曲當中有趣的地方,
這些分析的主要目的就是在了解作曲者/編曲者的思維,
同時驗證我們學習到的一些理論,
進而能夠應用到我們自己的創作當中.

所以歌曲的分析,
我盡量都會引證理論, 同時附上站內的連結供讀者參考.

主動機 (Motif):

歌曲一開始的那幾個音:

這是整首歌曲的主題, 歌曲一直以這段為結構作延伸.

這段的音符簡單說就是 G Blues, 出現的音符依序有: G D Db A C B

所以出現了其中的 Db, G Blue Note.

歌曲的和弦進行也以這段作衍生,

所以這段我把它當成是整首曲子的 Motif (動機).

所以沒事多玩玩這一段, 看似簡單,

但卻有可能是整個歌曲創作的原點.

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Verse V.S. Chorus 的和聲架構:

先不管和弦拍子的位置, 我們來比較 Verse (主歌) 和 Chorus (副歌) 的和弦變化:

Verse 的主架構:

| G Db Am7 Cm7 | Bm7 Em7 Am7 Am7/D |

Chorus 的主架構:

| G Dbm7-5 Cmaj7 Cm7 | Bm7 Bbmaj7 Am7 Am7/D | 

兩段歌曲中主要的部分, 很多部分其實是一樣的, 其中不一樣的部分:

• 第一個是 Am7 和 Cmaj7, 就是基本的  TSD 代換 了.
  
  
• 第二個 Em7 和 Bbmaj7 的思考是, Em7 是 G Major 的順階和弦.
  Bbmaj7 是 Bm7 和 Am7 的經過和弦, 簡單說就是半音進行.
  
  
• 第三個就是 Db 和 Dbm7-5 的代換, Dbm7-5 主要是要配合之後的 Cmaj7, 因為這兩個和弦只差一個音, 可以製造很 Smooth 的半音進行.

※註：Dbm7-5 和 Cmaj7 的說明, 請參考 "減七和弦" 一文的解說. 或者看看來玩玩這段進行 "Em7 Edim7 Ebm7-5 Dmaj7 Ddim7 Dbm7-5 Cmaj7" 就會有感覺了 :p

一級的代換:

其中還有一些同一段落,
第一次跟第二次會彈不一樣的地方, 像是副歌:

第一次 (Finger):

| Gmaj9 Dbm7-5 Cmaj7 Cm7 | 

第二次 (Rhythm)
| G Db Cmaj7 Cm7 | 

Gmaj9 只是把 G 大調一級 Gmaj7 繼續堆疊上去,
但是一般的原則彈 Finger 才會用這麼豐富的和聲,
刷節奏就不太會用太複雜的和聲, 所以恢復到 G.

同樣的東西在主歌 (Verse) 裡也有對應的變化,
不過是用 G7 或 Gdim7 來代換 G.



其他和弦代換:

Dbm7-5 和 Db 的用法也是一樣的道理.
當然, 這只是大原則,
編曲上要有意外音樂才會有張力 .....
(但是意外太多讓聽的人很無力 XDD )

前面四個和弦有變化, 後面四個和弦也可以做變化,
原本 Cm7, Bm7, Em7 可以分別改成 Cm11, Bm11, Em11 ... 等.

主歌和副歌基本上的結構是一樣的,

情緒是連貫的, 但是他們的節奏和拍子都不一樣,

所以兩段可以相輔相成.

※註：關於 Gmaj9, Cm11, Bm11, Em11 等和弦的基本概念, 請參閱 "再談 Guide Tone" 的介紹.

Pre-Chorus:

但是, 因為主歌副歌的和弦太類似, 所以有必要在中間弄一段轉折的段落,
所以歌曲中出現了 Pre-Chorus. 這段的目的就是要製造出 "轉",
讓 Verse 和 Chorus 銜接的更 Smooth.

音樂中 "轉" 的方式有很多種,
這邊用的技巧就是平行調的應用 - 調式內轉 Modal Interchange.

歌曲主歌副歌都算是 G 大調, 我們來看看 G 大調和 G 小調的順接和弦:

順階七和弦級數	I	II	III	IV	V	VI	VII
G 大調順階	Gmaj7	Am7	Bm7	Cmaj7	D7	Em7	F#m7-5
G 小調順階	Gm7	Am7-5	Bbmaj7	Cm7	Dm7	Ebmaj7	F7

然後, 一樣的, 我們先把節奏都拔掉只剩下和弦:


| Am7-5 G Bm7 A | Dm7 Cm7 Am7-5 Gsus4/D|

整首我們還是當成 G 大調來看,
所以紅色的部分都是 outside, 非 G 大調的順接和弦.

前面四個和弦, 用了 調式內轉 Modal Interchange 技巧,
讓和弦進行做了一些變化. 原本為 II 級 Am 用 G 小調的 Am7-5 代換.
後面四個和弦, 因為只有最後一個回到 G 大調,
所以我把這段解釋成直接轉成 G 小調.

另外段落的銜接 A 到 Dm7, 則是用次屬和弦 Secondary Dominant 銜接.
所以把原本的 Am 改成 A 變成 Dm 的五級.
這邊要彈 A7 or A 都是可以的.

※ 版權所有，謝絕轉載，請尊重著作權法 ※

我沒有分析旋律, 但是一開始就提到曲子當中有藍調音, 調二 Dorian,
也提到的主動機在歌曲中的重要性,
所以除了和弦, 也去彈彈看盧小仲唱了哪些音符吧 :D

大概簡單, 而且粗略的分析這首曲子的和聲,
雖然不管是和弦還是節奏都有一定的難度,
但是很值得練的歌曲, 練好大家一起 oh yeah ~~~


PS:
啥!! 怎麼沒有六線譜?!?!?!?!?!?!
我當然有寫, 不過盧小仲已經拍起來, 特寫這麼清楚, 應該不用了吧 ~~~
而且已經跟大家分析重點在哪了, 釣竿已經給你了, 自己練習怎麼釣魚吧 :p

[更新: 20100618] 
距離這篇文章初稿的時間已經過了半年了, 我一向不希望來這裡的瀏覽的人只是為了找譜而來, 也不想用 "免費的樂譜" 來衝什麼人氣, 或者知名度, 所以這個 blog 原則上都不會隨意放譜.

但是這首歌在吉他上其實上有一定的難度和深度, 如果你已經可以完全的了解和能夠彈奏 "吉他和弦聲位概念" 一文所描述的技術和理論, 歡迎交流指教.

如果你沒有辦法理解, 但是非常喜歡這首曲子, 也歡迎下載回去練習, 但是我期望練習之後能夠回到這裡把 "吉他和弦聲位概念" 重新讀過, 理解, 不管是技術還是理論都能得到驗證. 這樣的學習才有幫助.

下載 盧廣仲 Oh Yeah 完整六線譜.


延伸閱讀（站內）

1. 如何聽一首歌
2. 小調音階 (Minor Scale)
3. 次屬和弦 Secondary Dominant 
4. 調式內轉 Modal Interchange
5. 減七和弦
6. 吉他的基本功
7. 再談 Guide Tone
8. 吉他和弦聲位概念

更新紀錄

1. 20091108 - 初版
2. 20100618 - 開放六線譜
3. 20150120: 更新 六線譜 Link (Google Drive)

GNR - Sweet Child O' Mine

槍與玫瑰 (Gun and Rose) 的超級經典 - Sweet Child O' Mine, 俗稱甜小孩, 算是 Guitar Player 的必練國歌了. 歌曲本身很有意思, 主要有 Slash 那令人難忘的吉他前奏, 配上 Gibson 聲音的典型代表, 還有主唱 Axl Rose 那個有點歇斯底里唱腔, 加上最後 Slash 又來一段 Solo, 把歌曲帶到另一個高潮.

接下來我嘗試來分析這首曲子有那些獨特的地方, 除了吉他的技巧之外, 歌曲獨特的和弦進行是值得拿出來討論的.

歌曲分析的內容提供一個對音樂的思考方式, 不見得正確, 或絕對, 僅供參考, 歡迎大家一起討論.


以下是整首歌曲四大段落的和弦進行:

Intro Verse	||:	D / / /	| Dadd9 / / /	| C / / /	| Cadd9 / / /	|
	|	G / / /	| G / / /	| D / / /	| D / / /	:||
Chorus (Sweet child o' mine)	||:	A / / B	| C / / /	| D / / /	| Dsus4 / / /	:||
Bridge I (Guitar Solo)	||:	Em / / /	| C / / /	| B / / /	| Am / / /	:||
Bridge II (Solo w/wah)	||:	Em / / /	| C / / /	| B / / /	| Am / / /	:||
Outro (Where Do We Go)	||:	Em / / /	| G / / /	| Am / / /	| C / D G	:||

分析這首曲子, 分成幾個部分來看:

1. 主要調性
   
2. 各段落裡的和弦進行分析
   

主要調性:

四大段的和弦我寫的不是某個調的和弦數字級數, 而是完整的和弦名稱, 因為這首曲子本身來看, 雖然從和弦的使用來看, 可以大概猜出用的都是 G 大調/E 小調的順階和弦, 但是實際上和弦和旋律裡都藏有一些其他 outside 的音 (標紅色的部分), 但是整體來看我們還是可以判斷他是屬於哪個大調.

判斷歌曲的調性主要的方式還是以終止式來看, 看看各段落的最後一小節, 除了 Chorus 以外, 其他都是 D / Dsus4. 所以從這個來看, 我們會把這些段落都當成是 G / Em 調來看. Bridge I, II, Outro 裡面有 Em - Am, 剛好是 E 小調的 I-V, 所以他也是 G/Em 的成員, 所以整首歌來看, 就當作是 G/Em 來看, 記譜時調號也不會有太多的升降記號.

另外判斷調的方式, 可以從現有譜上的調號來判斷, 大部分這首歌曲的調號都是只有一個升記號, 所以直覺的就是跟 G/Em 有關. 從此切入也是一個方式. 當然有些譜也會寫 D 大調的調號.


Intro/Verse:

||:	D / / /	| Dadd9 / / /	| C / / /	| Cadd9 / / /	|
|	G / / /	| G / / /	| D / / /	| D / / /	:||

從 G 大調的角度來看和弦進行級數會是:

||:	5 / / /	| 5add9 / / /	| 4 / / /	| 4add9 / / /	|
|	1 / / /	| 1 / / /	| 5 / / /	| 5 / / /	:||

看似屬於 G Major 沒問題, 不過實際上和弦進行聽起似乎會趨向其他的東西. 如果團裡只有一把吉他, 我個人喜歡把這裡的Cadd9 改成 Csus4 , Dadd9 改成 Dsus4 來彈 (如果我是彈 Lead Guitar, 就會彈原本的 Xadd9, 為什麼我會這樣彈, 吉他手應該不難了解) 所以常常會有以下的一些想法:

Csus4 用到的音為 C F G, F 為 G 的 b7 級, 造成符合調式 G Mixolydian 的條件:

1. G Major Base - 具備 G 大調的終止和弦 - D
   
2. 包含 G Mixolydian 的特徵音 b7

所以這段我有時候會把這段當成 G Mixolydian 來玩. 不過不盡然完全如此, 因為段落的開頭為五級, 這是比較奇怪的地方, 大部分歌曲會從 T (主要和弦) 開頭, S (下屬和弦) 或 D (屬和弦) 結尾, 即使 Jazz 也是從二級開始. 所以判斷為 G Mixolydian 這的結論要保留, 請繼續看後面的分析.

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Chorus (Sweet child o' mine)

||:	A / / B	| C / / /	| D / / /	| Dsus4 / / /	:||

這段跟 Verse 有點不一樣, 從大段落來看, 他或許是像是 G 大調的終止 - 結束是 D, 但是這邊最後出現的是 Dsus4, Suspended 4th 一般會用來修飾一級/五級和弦. 所以這邊以和弦的角度來看可以判斷成 V of G, or I of D, 也就是以下兩種可能角度:

G Major

||:	2 / / 3	| 4 / / /	| 5 / / /	| 5sus4 / / /	:||

D Major

||:	5 / / 6	| b7 / / /	| 1 / / /	| 1sus4 / / /	:||

G Major 來看, 從段落後面找不到 V - I of G 或者 IV - I of G. 也就是最後聽起來沒有趨向 G 大調的感覺. 只有前面的 | A - B - C | 是升冪進行, 有 G major 的感覺.

從 D Major 來看, 這裡有一個 b7 - 1 (C: C E G - D: D F# A) 的進行, 聽起來會有 Vm7 - I (Am7: A C E G - D) 的感覺, 它聽起來會具備趨向 D 的終止感覺. 或者直接將 b7 級解釋成 Modal Interchange 就比較容易了解. 所以後面的三個小節, 聽起來會趨向 D 這個音, 不管是趨向 D Major or D Minor. 因為這邊實際的和弦是 D, 所以把這段解釋成趨向 D Major.

所以整段以 D Major Base 來看, 這個 b7 進行符合 D Mixolydian 的順階和弦.

級數	I	II	III	IV	V	VI	VII
D Major Scale	D	E	F#	G	A	B	C#
D Major 順階和弦	D	Em	F#m	G	A	Bm	C#dim
D Mixolydian Scale	D	E	F#	G	A	B	C
D Mixolydian 順階和弦	D	Em	F#dim	G	Am	Bm	C

(更多請參閱 "淺談調式和聲" 的介紹. 搖滾類的曲子, 用順階三和弦就夠了).

而原本以 G Major 來看似不合理的 A 和弦, 以 D Major 為基礎來看待整段, 一切就是那麼的想當然爾. 而會改變的只有調式的特徵音部分, 也就是 C 的部分 ^(註).


分析到這裡會發現, 第一段 Verse 其實有類似的現象, 所以我們再回到第一段:

||:	D / / /	| Dadd9 / / /	| C / / /	| Cadd9 / / /	|
|	G / / /	| G / / /	| D / / /	| D / / /	:||

改成用 D Major 的角度來看:

||:	1 / / /	| 1add9 / / /	| b7 / / /	| b7add9 / / /	|
|	4 / / /	| 4 / / /	| 1 / / /	| 1 / / /	:||

其中的 G - D 看成 IV - I of D, b7 理由同 Chorus.

所以一直到 Guitar Solo 之前, 整段都可以看成 D Mixolydian, D Mixolydian 音階只有一個 F#, 調號上跟 G 大調是一樣的, 所以很多時候都會用 G 大調來參考對應. 吉他上的 D Mixolydian 跟 G Major 的音階指型長的是一樣的, 只是根音位置不一樣.

這種例子在藍調裡很常見, E Mixolydian 的調號跟 A 大調一樣, 調號只會有三個升記號, 所以有時候會用 A 大調角度在看.


Bridge I (Guitar Solo)

	||:	Em / / /	| C / / /	| B / / /	| Am / / /	:||

Bridge II (Guitar Solo w/wah)

	||:	Em / / /	| C / / /	| B / / /	| Am / / /	:||

Outro (Where Do We Go)

	||:	Em / / /	| G / / /	| Am / / /	| C / D G	:||

接下來這三段, Guitar Solo 從和弦進行和旋律線 (和聲小調) 來看, 用 Em 來解釋就可以.

※ 版權所有，謝絕轉載，請尊重著作權法 ※

很粗略的分析了這整首歌, 這些東西只是為瞭解釋一些現象, 把他們合理化, 或者系統化. 另外一個角度就是揣摩作曲者的思路, 他在寫這首歌時腦袋在想啥. 當然這些解釋方式不見得正確, 如果有什麼想法, 歡迎提出來討論.

最後來聽聽看 Slash 本人聊這首曲子 - Guitar Center Sessions: Slash-Sweet Child O' Mine


註：(New: 20100205)

一些細心的朋友看到這段可能會有一些疑惑, 以 D Mixolydian 來看, 他的順階 V 級是 Am7,
而 D Major 順階 V 級是屬七和弦 A7, 如果歌曲用的是 D Mixolydian, 那麼 Chorus 裡第一個的 A 和弦要怎麼解釋?

調式這種東西的應用, 還是以原始自然大/小調為參考指標, 也就是 D Mixolydian 還是以 D Major 為參考調性 (網路上有人會用 "中心調" 來形容 D Major). 意思就是說, 因為 D Major 的 VII 級在歌曲進行中暫時性的改變, 所以只判斷有特徵音的和弦, 這邊就是 D Mixolydian 的特徵和弦 C, 其他的, 依舊是原本的 D Major 的順階和弦, 所以 Am 出現是 ok 的.

換個 Rock 常見例子, Rock 常用自然小調, 也很常用和聲小調,

A 自然小調: A B C D E F G A
A 和聲小調: A B C D E F G# A

A 自然小調 => 五級: Em7    一級: Am7: A C E G
A 和聲小調 => 五級: E7       一級: Am(Maj7): A C E G#

其實 Rock 裡常會看到小調裡出現屬七和弦 (X7), 但是很少會看到小調大七和弦 (XmMaj7).

因為自然小調只是暫時 "借用" 或者 "改變" 原本的七級 G -> G#, 但是, 歌曲大段落來講, 歌曲還是以自然小調為主; 以應用層次性來講, 除了自然小調, 裡面可能還包含了和聲小調, 搞不好還有旋律小調, Dorian, ... etc.

調式應用亦是如此, 通常只會強調特徵音的相關和弦 (特徵和弦), 剩下的還是原本的自然大小調為主. 如果硬要把整個調式和聲套上去, 那很容易造成調性不明, 終止不清楚的問題, 到最後亂成一團 (非常的前衛?).

因為我們人的聽覺 (或者說西洋音樂理論), 還是以自然大小調做基本參考的.

相關和聲小調的基本概念請參閱 "小調音階 (Minor Scale)" 的說明。


延伸閱讀（站內）：

1. 調、調式與轉調
2. 次屬和弦 (Secondary Dominant)
3. 簡單的 Mixolydian 調式分析
4. 淺談 Modal Harmony (調式和聲)
5. TSD和聲代換
6. 小調音階 (Minor Scale)
7. Modal Interchange

Updated:

• 20091129 - 修正一些和弦的描述
• 20100123 - 加入新版權宣告
• 20100205 - 加入 D Mixolydian 的和聲註解