[已搬移] 怎樣的程度才適合組樂團？

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址 

這種東西會有點主觀，所以我個人大概分成兩個目的好了：娛樂性和職業性，兩個的層次界定大概是這樣：

• 娛樂：大家能夠開心玩，沒有壓力，介於 KTV 和樂團之間
• 職業：用樂團賺取利潤，重點在於經營

針對這兩種的層級，我下了一些定義，從技術層面 (演奏層級)，編曲層次兩個部分，這兩個層級都會面對這些問題，只是比重、還有深度的問題：

演奏技術層面：技術就是樂器的駕馭能力。這種東西和每個人的啟蒙老師、個人處世態度有很大的關係。

編曲層面：嚴格講也不算編曲，在樂團裡，簡單說就是工作分配。這關係樂手本身的對音樂的執著與認知程度。能聽到多少、能聽到啥層面的問題。聽不到細節、聽不到關係，就等於跑龍套。

跑龍套：我個人慣用的名詞（可能也會出現在其他行業，Coder  會出現的就是 Design Pattern）。在音樂領域裡，就是把和弦和節拍彈對，叫做跑龍套。其實就是六十分的練習層次。很多時候，大部分的『團』是連這個層次也達不到的，不是個人的問題，是整個團的問題。

娛樂性樂團

如果是上班族，但是還是期望能個熱血，那麼最好還是要有這樣的基本的能力，玩起來才不會太吃力、無力。技術層次 分成和弦、旋律兩個部分。

和弦 / 和聲
至少 C 大調 (A 小調) 和 G 大調 (E 小調) 的順階和弦要熟練, 一個和弦有三種以上的按法。這裡提的不管是吉他還是鍵盤都要具備這樣的能力。


旋律 / 音階
跟和弦一樣，至少 C 大調 (A 小調) 和 G 大調 (E 小調) 音階要熟練，要想都太慢了。跟鍵盤打字一樣。同上，不管是鍵盤還是吉他都一樣，要有『即時』反應的能力，否則都會吃力。


編曲層面

以上班族的角度來看，談編曲這件事情跟爆肝沒兩樣，所以不要太要求這部份。最多能要求的就是照本宣科：也就是照著譜彈，或者能夠跑龍套，也是照彈就好。只要歌曲的主要結構能夠掌握就有 60 分了。



職業取向樂團

以下是我個人覺得必備的，不管是樂手還是歌手，而是整團的人都必須要有這樣的能力；

1. 一首歌聽完之後，能知道基本配置：
• 有用到哪一些樂器，哪一些音色
• 分的出來 Pad 有那些 (不一定是 String 而已)
• 基本的節奏形態
• Key / 轉調
2. 歌曲有哪些段落，配器如何。
3. 哪些配器可以省略，哪些音色可以用什麼取代
4. 曲風方向有哪些 (一首歌可能混合了很多種曲風)

這部份就不像娛樂性那麼簡單了，我比較著重各個樂手專業層次的問題、歌曲整體性的掌握程度、取與捨。


技術、配器層次


不管是吉他、Bass、鍵盤手，24 個大小調是一定要熟的。需要想、要翻譜都是不合格的。

歌曲聽過一首歌兩次，能夠知道段落、和弦進行、音色、編曲配器比重。知道基本律動 (Groove) 是啥、插音 (Fill)、過門 (TR)、襯底 (Pad)、.... 等。有哪一些聲部 (Channel) 可以省略、什麼樣的聲部最好不要省略。

聽過之後，知道原曲所需要的和樂團編制的距離，應該怎麼取捨、怎麼調整。可以用什麼方法補充不足的地方，不讓原曲失去味道。

有興趣的人聽聽我編的 『One Night in 北京』和原曲的差異。我編的重點在於：能夠現場演奏，而且不失原味。能夠『現場演奏』必須考量所有樂手的演奏能力、設備需求、現場配套措施等，這部份可簡單，可以複雜。


Vocal 主唱

如 "樂團的主唱" 一文提到的，不見得要會彈木吉他，但是一定要會讓樂手知道自己的音域，還有就是會算拍子和知道段落。另外就是舞台魅力、帶氣氛、掌握表演節奏、時間，知道樂手狀況：像是吉他 or 鍵盤聲音突然會不見、鼓手小鼓歪了、鼓棒斷了、大鼓位置跑掉了。

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現實與理想的距離


基本的建議是：

--- 不要有一次就想做到完美的想法 ---

實際上也不太可能，萬丈高樓平地起，要知道取跟捨的拿捏。


大部分 Cover 歌曲，特別要做的是流行歌曲，標準編制的樂團能夠做到六、七成像就算是很不錯的了。因為大部分流行歌曲的編曲並不是樂團導向，也就是編曲過程時，不太會考慮現場演奏的問題，換言之編曲者可能會用一個管弦樂團來編（五、六十軌）、或者用了六把吉他疊出音牆 ... 等，也可能會用一個小編制的弦樂團 (4 人)、或者五把吉他堆疊出來的畫面，或者數十種以上不同音色的鍵盤音色 .... 等。


留意一下一些有現場樂團的電視節目，或者預算夠多的演唱會，他們做出來的歌曲通常會接近原曲的七成以上，但是現場編制通常也不會太簡單。

像是歌唱選秀節目，因為收視率不錯；或者預算夠的演唱會，能夠請足夠預請樂師，所以常看到的編製會是這樣：

1. 節奏組：一位鼓手，同時具備 Looper Machine、一位打擊樂手，負責 Percussion 部分
2. 兩組鍵盤手以上，兩位現場各自會有四台以上的 Keyboard，或者 Looper Machine (iPad or Laptop)，工作分配大概會是：
• 一個負責鋼琴伴奏 以及其合成音色演奏
• 另一位專注在負責襯底 (Pad)，還有音效、Looper
3. 兩位吉他手以上，他們也分別會準備二～三把吉他，依照不同需求做準備，常見的可能是：
• 搖滾歌曲：這就一般樂團最擅長，兩把 Rhythm、一把 Lead / Fill
• 慢歌：可能一位負責木吉他、另一位 Solo；或者有些歌需要尼龍吉他 (Bossa、Smooth Jazz) 等。
4. 客串樂手：除了固定班底，有時候會需要一些客串的樂手幫忙，像是：Saxophone、古典吉他、木吉他、小提琴、小號、國樂器、Percussion ... 等客串樂手。

所以假設以上是理想，需要那麼多東西，那麼多人，相對的就有對應的成本。而大部分的團只有：3- 5 個人，所以再說一次：要知道取跟捨。

中國的音樂節目常常有大型編制，可以聽聽看這首曲子的重新編曲，如果你的團要做這樣的曲子，要怎麼安排？怎樣取捨？

先求有再求好

先把大架構都做對了，也就是『樂團總譜』提到的東西。然後再來處理細微的、修飾的部份。例如很炫炮的 Solo、很漂亮的裝飾音、過場音效、很有味道的 Loop ....

細節靠的是個人的修行與努力，還有樂團持續精進的態度。



推薦入門歌曲

推薦一些是我個人覺得算是入門，第一次組團可以練的曲子，比較篇搖滾為主。這些歌曲我都彈過，有些也是我個人的教材範例。

1. Brain Adams - Summer of 69 (D-F)
2. Avril Lavigne - My Happy Ending (D)
3. Avril Lavigne - Basket Case (F#, Play: G)
4. Nickelback - Someday [D]
5. Zombie [Em]
6. Deep Purple - Smoke on the Water
7. 五月天 - 尬車
8. 海角七號 - 無樂不做
9. Bon Jovi - It's My Life [Eb]
10. Bon Jovi - Have a Nice Day [E]

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其實說那麼多，都是理想，我自己過去玩團那麼多年，也尚未有這樣的團隊，但是我一直在努力讓團員大家能一起變成那樣。



延伸閱讀 (站內)

1. 樂團的經營
2. 樂團的主唱
3. 吉他音階學習引導
4. 吉他基本功
5. 樂團總譜

[已搬移] 關於寫譜

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址 

我寫譜大部份都是給自己看的，因為寫譜需要極高的專注力、聽力、節奏感、樂理、排版美感、專業工具等知識，是件非常非常耗費精神的工作 (不會輸給寫程式)。

我喜歡把這過程當作是練功，每次寫好一首歌的譜，功力又進步一些，寫得好還可以一直重複使用，不管是用在教學，還是寫文章。

後來因為教學、練團、寫文章，變成要寫給其他人看，像是學生、團員、讀者。不同對象，寫的方式就會有差異，甚至是寫給不同樂手、不同團、不同參考版本 (Live、Studio、Unplugged) ...。曾經有過一些歌，寫過四、五個版本之多。


整理一些過往的記憶 (年紀大了，開始要自我回顧了 XD) 給有興趣的朋友參考。。。

樂團團譜

直接手寫：剛開始不會想太多，反正就是手寫，也沒什麼排版概念，和弦、段落、Solo、Tempo/Key 大概標記一下，就這樣。


簡單樣板譜：寫幾首就會發現需要用樣板，所以找樣板來用。常看的樣板有兩種，一種是用五線譜、另一種就是簡譜的樣板。

五線譜樣板：五線譜樣板很好找，但是吉他手大部份不會寫豆芽菜，而且五線譜很佔空間，所以實際上，教學比較會用五線譜樣板。


簡譜樣板：這是大部份會看到的，網路上或者一些做場樂手都會用這種樣板譜。四小節一段、或者八小節一段。可以標記 Key / Tempo / 和弦，或者重點節奏等資訊。這是最常見的樣板，自行製作也很容易，底下是我自己的樣板：




電腦打的團譜

後來有一段時間，我把前一種樣板做了再進化，變成比較漂亮的樣板譜，而且可以重複使用在教學上。樣式分兩種，一種單純是樂譜，不含歌詞，另一種則是包含歌詞。

這個樣板我前後進化很多次，有很多種版本：

最初版：延續前個樣板，做更精細的調教，特別是段落的排版、重點節奏表示。



第二版：再進化，支援多個聲部、與旋律表示。


寫譜重點：

• 段落, 和弦進行
• 重點節奏與 Fill
• 電腦打的好處：Reuse -- 教學, 跟團員一起協作方便

弄這個樣板的過程，曾興起自己來開發排版系統的念頭。不過想想而已。

教學譜

教學我希望呈現的是精準且完整的資訊，所以全部都是採電腦排版，寫譜重點：

• 拍子、小節概念
• 和弦位置
• 段落概念

除了教學，也有是因個人喜歡，手寫的：


演奏曲

演奏曲大部份是教學、或者我自己練功而寫。寫的細膩度就看投入多少時間。

• Jack Thammarat - Emotive Ballad
  
• 吉他編曲：自己編的演奏曲
  

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樂譜是音樂家之間溝通的重要橋樑，兩個不同國籍的樂手，語言不通時，樂譜就是最好的介面。想要成為音樂家，我的認知上，能夠聽說讀寫樂譜，是很重要的內功心法。

我買過很多譜，有一本 300 台幣的，裡面可能有數百首歌。後來到大一點的書店發現有國外的樂譜，但是都很貴，一首 600 台幣 (20USD)，心裡很不解為啥賣那麼貴，但還是買了下來。後來買了很喜歡的樂團團譜，也是超級貴，一本十首歌，但是要價快兩千台幣。

學習階段也自己寫過不少譜 (參見 "過年，想找的就只是回憶而已：那些年練過的流行歌曲")，但從沒用金錢衡量過他的價值。

後來自己因為教學寫譜、練團寫譜、甚至因為準備電子書校稿把裡面提到的『音符』重新校正，花了很多精神，體驗又更深了。因為寫譜，才更知道，一首歌裡面有很多細節要被表示出來沒那麼容易，然後回去看一些經典歌曲的譜（古典），才明白為什麼會有那麼多以前覺得很奇怪的符號在譜上，什麼 "ppp", "fff", 漸強, 舒緩的 .... 奇奇怪怪的形容詞 .... 因為寫譜的人，不只是想把音符寫下來，而是要把音樂的情緒、顏色也寫下來。


延伸閱讀 (站內)

• 過年，想找的就只是回憶而已：那些年練過的流行歌曲
• 樂團總譜
• 站內分享的譜：
• Jack Thammarat - Emotive Ballad
• 盧廣仲 - Oh Yeah - 歌曲分析
• 黃品源 - 真久沒看
• 歌曲分析: FF10-2 - Memories of Lightwaves

參考

1. https://www.ptt.cc/bbs/guitar/M.1466096707.A.CEA.html

更新紀錄

• 20160618: 初版

[已搬移] 樂團的主唱

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址 

[已搬移] 保護耳朵

Updated 2025/12/24: 本文不再維護，已搬移到 新位址

現在隨身聆聽設備很方便,
不管是隨身的 player 還是一般隨身通訊設備 (手機),
幾乎都可以播放音樂, 使的不管在路上, 還是辦公室裡,
很常會看到大家帶著耳機聽著自己的音樂.

樂手是真的需要大量聆聽的, 一方面吸收新資訊,
一方面聆聽好的作品, 對於提升音樂的素養是非常重要的.
因為 "CD 是最好的老師" ...
不過 .......


就因為現在聽音樂太方便了, 無時無刻,
不管什麼地點幾乎都可以聽, 都可以沉溺在屬於自己的旋律世界裡 ....
漸漸的這樣現象就開始出來了:

1. 音量不自主的越開越大聲 (有些大到我距離兩個人的位置都知道他在聽啥歌)
2. 聽力不知不覺中漸漸受到傷害
3. 樂手在練團室, 如果又不懂得控制 punch, 音量, 越推越大 ....
4. 如此, 惡性循環 ...

年紀小可能還沒關係, 但是長時間累積下來對於耳朵的傷害是無形的,
甚至是永久性的傷害.


我曾經為了作音樂, 長時間戴耳機,
或者持續在音壓很大的地方作音樂.
後來漸漸感覺耳朵有刺痛感, 對於 "音量" 靈敏度降地很多.
當我意識到的這事態的嚴重之後,
我開始自律, 盡量不戴耳機, 除非必要,
否則音量一定要限制.


吉他手很多時候, 為了 tone 的課題, 需要把音量開很大.
但以現代的技術來看, 已經不像以前那樣.
以前為了要取得所謂的自然破音 (Overdrive),
需要真的把前級音量推到炸掉, 然後得到吉他手最想要的破音音色.

不過現在數位科技發達, 很多產品可以不用開很大聲就可以作出對應的效果.
所以吉他手要專注的, 應該是如何用耳朵判斷出音色的動態, 特性等,
掌握其特性之後, 學習如何善用現有的設備,
像 EQ/Comp/Limit/Reverb/Delay/Gate ... 等,
還有最重要的就是吉他手本真的演奏技術,
達到所需要的音色效果.

但是這一切都要靠一對能夠精準判斷的耳朵,
所以把耳朵 "養好", 是非常重要的.


我去一些 Live House 聽音樂時, 發現都有一個特性就是, 通常低頻都很多, 我猜可能有幾個因素:

1. 空間和輸出設備功率沒有匹配
2. 吸音不好, 散射太多
3. 樂手是 Rock/Metal 掛的
4. PA 大哥 or 樂手長期在那樣的工作環境之下, 聽力已經受傷了, 所以要開很大的音量才聽的到.

如果是最後一點那就真的有點注意了.
畢竟我們不是貝多芬, 只剩一隻耳朵還能寫出曠世鉅作.
要是樂手耳朵受傷了, 不要說彈琴,
可以能連平常要聆聽自己喜歡的音樂都會有問題 ....

另外玩 Rock/Metal, 和鼓手通常也是耳朵傷害的高危險群.


如果不可避免的要長時間戴耳機聽音樂, 我的方式是這樣的.
自從那次的經驗之後, 我開始試著把音量越開越小聲,
讓耳朵即使在很微量的音量中, 或者在很吵雜的環境當中,
還能夠清楚的聽到想要的音樂.

除了依舊可以聽自己喜歡的音樂,
另外就是保護耳朵不需要長時間承受大音壓.
特別是在室外的時候, 像是坐公車, 捷運等公共場所,
這種地方通常都很吵, 機械運作的音量就很大,
戴耳機聽音樂的時候, 很容易不自主的樂開越大聲,
在這樣的環境就要越特別去控制音量.

長期這樣 "訓練" 下來, 因為耳朵能夠聽到高動態範圍,
對於音樂製作的混音來講, 對於 Comp/EQ 的應用, 應該是有幫助的.


另外, 在練團室的音量控制, 就複雜的多.
比較簡單的就是戴耳塞, 作基本的保護.
然後選擇空間大一點, 吸音好一點的練團室.

有心的話, 加強樂手們的基本概念和認知,
認識聲音的物理特性, 還有 Comp/EQ 的應用,
如果有固定的練團室, 大家可一起嘗試調整, 實驗,
找到最佳的音量數據, 人員位置, FX 設定 ... 等
而不是一直把音量一直堆大, 如此只會惡性循環.

※ 版權所有，謝絕轉載，請尊重著作權法 ※

------- Copyright © 2011-2015 Rick KY Hwang All rights reserved -------

延伸閱讀 (站內)

1. 如何聽一首歌
2. 樂團經營

延伸閱讀 (站外)

1. 今天是國際護耳日！WHO提醒大家，使用耳機每天應以1小時為限
2. 耳機正一步步吃掉孩子的聽力

更新紀錄

1. 20110313: 初版

[已搬移] 關於樂團總譜

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址 

[已搬移] Loop 的概念與應用實例 - One Night in 北京

Updated 2025/12/24: 本文不再維護，已搬移到 新位址

Loop 字面上的意思是: 循環, 反覆, 迴路, 橡皮圈 .... etc. 在音樂製作中, 中文可以翻譯成 "循環樂句", 或者 "反覆段落". 簡單說就是一段一直反覆播放的 "樂音".

廣義的來說, 一段鋼琴彈的 C 和弦, 一段用吉他彈的 Power Chord/Riff, 鼓的節奏 .... 也都可以算一種 Loop, 但是這種 Loop 通常需要有額外的參數, 簡單說, 要人去控制.

但是一般說的 Loop, 通常會是內容是平常不容易聽到的 "素材音樂", 或者 "音效效果". 像是一段空間效果 (有襯底 / PAD 的功能), 一段傳統樂器效果 (中國國樂, 民俗口技), 或者一段音效 (爆炸聲, 口白, 對話, 一小段 Rap, 蟲鳴鳥叫, 流水聲 ... etc).

或者一段很特別的演奏技巧, 很複雜的琶音, 也可以用 Loop 的方式來呈現.


常見的 Loop 的種類:

1. 節奏類 / 主律動 / 鼓 / Bass / Percussion: 現在的數位音樂製作中, 很多 VSTi 音色庫都提供很多現成的素材可以用, 通常上述的幾種都有很龐大的資料庫, 而且依據曲風分類. 這些東西可以讓編曲者/創作者, 利用疊積木的方式創作出複雜的歌曲.
   
   
2. 襯底 / PAD: 用 Loop 來作襯底, 通常都是用來製造氣氛, 製造空間感, 在慢歌/R&B 裡很常出現, 文章後面會有一些參考例子.
   
   
3. 插音 / Fill: 這類通常都是一些民俗樂器, 特殊效果的取樣, 如果沒有想要的, 就必須自己後製 / Customized. 本文提到的例子 - One Night in 北京是應用到這種. 所以我自己製作了這兩段 Loop.
   
   
4. 效果 / 音效 / 戲劇: 這類的和襯底很類似, 也是用來製造氣氛, 但是會用在歌曲段落的轉折處, 歌曲裡出現的次序不多, 也可能很多.

廣義的 Loop -  "動態" 的 Loop - Arpeggios / Phrase / VSTi Libraries:

Arpeggios (琶音器) / Phrase (樂句): 這是現代很多合成器的開發重點 (賣點) 之一, 像是 Yamaha MOTIF 系列的 Arpeggios 資料庫, Korg 的 Karma 系統 ... 等.


VSTi 樂句資料庫:

現代的軟體音源要做到原聲樂器擬真, 大多已經不是問題. 接下來各大廠商比較的就是樂句資料庫. 要做到提供的花樣多, 編輯能力強, 現場的即時性, 同時提供類似 Loop 概念的 View ....etc, 已經是各軟體的主打了. 以下是最常見的類別:

• Drum Pattern
• Percussion
• Electric Guitar Riff
• Acoustic Guitar Rhythm
• Walking Bass
• Slap Bass
• Synth Bass
• Synth Effect
• ... etc

現場樂團什麼時候 "可能" / "可以" 使用 Loop:

1. 現場沒有該樂手, 歌曲僅短暫出現, 用來點綴, 但有畫龍點睛的效果. 像 "One night in 北京" 出現的中國銅鈸是很好的例子.
2. 屬於 "音效" 的範疇, 非 "樂音", 像是飛機聲, 爆炸聲 ... 等. "音效", "樂音" 的概念請參考 "基礎聲學" 的說明.
3. 製造空間效果, 通常有用來代替襯底 PAD 的功能. 
4. 戲劇效果: 一段口白, 對話, 甚至是電影個段落音效.
5. 創作團的草稿 / Demo: 大家窩在練團室一起創作, 打開軟體, 隨便點一些 Loop 播放, 亂疊.  然後一起 Jam. 
6. 只有一個人表演的時候: 這在 Youtube 不難發現很多類似的影片 (Ex: KT Tunstall, 非常精采的表演),  用一台 Loop Pedal , 像是一把吉他 + Loop Pedal 作出鼓 + 和聲 + 效果 + 唱歌 ... etc. 或者是喜歡玩 Beat Box 的也有類似的概念.

現場表演 / 樂團 Loop 應用 / 軟硬體相關設備:

硬體:

Roland SPD-S / 數位打擊版
(圖片引用自 Roland 官方網站)	鼓手 Q 毛老師 (照片引用自杰倫樂隊 Facebook)
杰倫樂隊鼓手 Q 毛老師在練團室的情況, 譜架旁邊的就是數位打擊版

SDP-S 通常由鼓手負責, 因為就從音樂進行中的時間點來看, Loop 是一個 "點", "點" 的東西就是由鼓手或者 DJ, 甚至是打擊樂手 來負責是最適合的.

所以像 SDP-S 這種設備, 也有可能會出現在 DJ 的設備清單裡.


地板型:

• DigiTech Jamman
• DigiTech GNX3, 4
• Roland RC-20XL Loop Station

合成器 (Synth) / DJ:

• Roland Fantom X/G
• Korg KAOSS 系列

軟體: 就更多到不像話了, 簡單說可以反覆播放一段音樂的軟體都可以  (會應用的話 Winamp 也算), 所以我就不列了. 那現場呢? 帶一台 Notebook, Macbook, iPhone, iPad ..... 只要能執行程式的硬體就行了.

會幹這件事情的, 通常是 KB or DJ. 不過身為吉他手的我, 曾經做過 .... orz, 就是接下來說明的例子.

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Loop 應用實例 - 信樂團 - One Night in 北京

先聽聽原曲, 以及編曲上的思維分析:

歌曲大概用到幾段可能的 Loop:

1. 前奏 / 主歌 / 間奏: Reverb Percussion Loop, 目的是營造時間空間感.
2. 副歌: 中國銅鈸 / China Percussion Loop, 呼應京劇唱腔與搖滾節奏

創作者陳昇說過這段歌曲的創作背景, 歌詞的描述中跨越了千年, 時間與空間交織. 所以第一段的 Reverb Percussion Loop 這樣的編曲, 是非常符合歌曲的意境的.

歌曲副歌已京句唱腔, 呼應了歌曲主題 "北京" - 中國的代名詞. 編曲時可以代表中國的樂器有很多, 以信樂團的曲風 - Rock - 來看, 編曲時找一個以適合搖滾節奏的中國樂器 - 銅鈸 - 是再適合不過了, 同時也呼應京劇的唱腔.

當然歌曲一開始的畫面式效果, 直接就點出了前年前的戰亂情景. 這首歌陳昇提過, 除了歌詞描述的千年時空戀情, 還有反戰的意味. 間奏的二胡 Solo 則呈現了戰爭所帶來的悽涼 ....

其他非 Loop 的中國樂器, 間奏使用了二胡, 副歌的和弦使用了類似琵琶類的音色. 搖滾 + 中國的配器, 意義深遠的歌詞, 這一首無疑的是一首無論詞 / 曲 / 編曲都是上上之選.

上述賞析的部分可在 "如何聽一首歌" 找到介紹.

現場表演配器的安排以及 Loop 的配置:

上圖的編曲畫面是我幾年前為了作場, 而事先編的一段. 主要目的就是盡量讓原曲原汁原味的呈現, 同時也是用來跟團員溝通的一種方式.

圖中呈現的樂手配置如下:

1. 紅色 Channel 是 KB 負責的
2. 黃色 + (Loop: 橙色 + 綠色) 為鼓手
3. 藍色為 Bass. 

以現代樂團的標準編制: 鼓 + GT + KB + Bass + Vocal. 這段除了吉他, 其他三人都 Cover 了. 唯一跟一般不同的是, 鼓手必續在進間奏和副歌時, 用數位打擊版播放 Loop.

聽看看, 呈現的感覺如何.

• Loop 應用 - One Night in 北京

爲了節省說明時間, 我製作的這段是從歌曲的間奏開始, 之後接歌曲的副歌. 這段主要有 Loop 有三段, 其中的兩段 (Reverb Rhythm, 三角鐵) 因為時間重疊, 所以最後我把他們輸出成同一組:

1. China Percussion: 前奏第二段, 副歌前一小節, 第一拍下
2. Reverb Rhythm Loop + 三角鐵: 前奏第一段, 主歌和間奏第一小節第一拍下

想要順利搭這首曲子, 除了要準備上述的兩段 Loop, 另外最重要的就是鼓手要聽 Click, 由鼓手帶領整團的節奏 (這不是理所當然的?). 這首歌 Tempo 約 88 BPS.

因為以上圖編曲的段落來看,  這兩段 Loop 的長度都是 8 小節, 所以整個樂團必須要 "跟隨" 這兩段 Loop 的時間來走, 而播放 Loop 的是鼓手, 所以原則上這首歌, 整首從頭開始, 鼓手就要開始跟 Click 跑. 這點是必要的, 否則只要有人拍子跑掉, 整首歌聽起來就會亂成一團.

另外我設計成一個 Loop 長度播放為 8 小節的原因是, 希望讓鼓手減少打數位打擊版的次數. 當然這也有風險, 因為鼓手如果第一拍忘了打, 那整首就毀了. 所以這個方法可以再依照鼓手的習慣來調整.


為什麼要強調這兩段 Loop?

因為 "One Night in 北京". 如同前段 "編曲上的思維分析" 所描述, 少了這兩段 Loop, 聽起來就不是 "In 北京" 了, 可能是 "in 倫敦", "in New York" .... or somewhere .... 反正就是沒有中國的感覺, 聽起來只是一首一般的流行搖滾, 沒啥特色. 所以我個人很要求樂團一定要做出這兩段 Loop, 做不出來這兩段, 這首歌就不要做.


所以最後整理, 樂團想要應用 Loop 的必要條件:

1. 聽出來歌曲哪裡需要使用 Loop
2. 找到適合的 Loop, 或者自己做
3. 全團必須 (MUST BE) 跟 Click, 最好由鼓手聽 Click 來帶整個樂團 (看看 Q 毛老師的經驗分享)
4. 鼓手最好備有 數位打擊版, 或者去有提供打擊版的練團室. 台北的練團室我還沒看過提供的, 這就很可惜了 ...

這些條件, 在大型演唱會裡, 是每個樂手的基本能力. 一個 Cover 團有沒有一定程度, 從這點是看的出來的.


最後是我製作這段 Demo 的相關資訊:

1. 鼓, Bass 音源: Roland Fantom X8, 
2. 中國銅鈸: SRX-09 World Collection
3. 二胡音源: mini ErHu (Free)
4. Loop: Roland Drum Kits + Sonar 後製

沒有做的很精緻, 只是想呈現一個想法, 套在樂團的編製上是可行的.

同時開放這兩段 Loop 給讀者使用, 如果有樂團現場表演使用這兩段 Loop, 歡迎來信給告訴我你的想法, 或者表演時跟我說, 我也期望能夠親自去聽看看.

很多年前, 我曾經想在樂團時嘗試用這樣的方式來詮釋這首曲子, 不過後來是失敗的. 歸納幾個原因如下:

1. 鼓手沒有數位打擊版, 也不太可能強迫鼓手去添購一個.
2. 整個樂團大部分的樂手沒有聽 Click 的習慣, 還有練團是 Click 監聽也是一個大問題. 但是實際上只要鼓手帶耳機聽 Click, 大家跟鼓手就可以了.
3. 當時是由我的 GNX4 來播放 Loop + Click, 但是吉他手畢竟不是樂團裡的 Time Keeper, 所以即使我個人有聽 Click 的習慣, 但是鼓手還是比較容易掌控整團的速度.
4. 另外最棘手的就是溝通上的問題: 大部分的團員不知道這段的重要性, 也不曉得如何去安排編製上的問題. 所以往往搭這樣的歌, 只是在跑龍套, 和弦跑完就下一首了. 實際上這樣搭出來的曲子和態度都是很失敗的.

一些 "可能" 或者 "可以" 使用 Loop 的例子:

1. 鄒承恩 痞客四 - Perfect Stranger (痞子英雄片尾): 歌詞 "What will stop in my way" 開始, 音效的 Loop
2. 蔡淳佳 - 等一個晴天: 前奏, PAD
3. 張穆庭 - 南京1937 (老船工) : 間奏戲劇效果
4. Tank - 專屬天使: 第二段主歌, PAD
5. Bon Jovi - It's My Life: 第二段開始 (01:40), 最後一段副歌前 (02:54), Loop 類似 One Night in 北京, 但可有可無.
6. T-Square - Survivor (2009, Discoveries): 前奏 PAD
7. The Black Mages - Clash on the Big Bridge: 前奏 Arpeggios (這段 KB 功力夠是可以彈的, 只是不容易. 我曾經用 Fantom X 的 Arpeggios 功能設計過這段, 是可行的)
8. 董運昌 - My Ocean (風潮唱片, 我的海洋): 海洋音效. 順便推見這張很棒的專輯, 專輯的海聲都是取樣自南台灣墾丁的海岸聲, 加上一些來自台灣的音樂家的演奏, 非常舒服的專輯. 台灣電視訪談節目拿這張的音樂做節目襯底音樂.
9. Karunesh - Clouds and Winds (Sounds of the Heart): 全曲亮晶晶的襯底 + 流星

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Loop 在現代數位音樂的製作中, 有越來越重要的趨勢, 很多歌, 不管快的慢的, 都會融合這種可以天馬行空的元素. 可以用隨身的錄音設備 (ex: iPhone) 錄一段捷運進站的聲音, 開門的聲音, 車子呼嘯而過的聲音, 電視播放的聲音, 跟朋友對話的聲音  .... etc, 素材生活中隨手可得, 然後融入音樂中.

現場樂團如果選到這樣的歌曲, 想要把歌作的好, 作的有味道, 做到原汁原味的呈現, 要思考一下, 自己樂團是否有這樣的配置 / 設備 / 資源 / 概念, 或者要重新以現有原團成員的資源 / 編製, 重新編曲.


延伸閱讀 (站內)：

1. 基礎聲學與數位音樂製作
2. 襯底 PAD 的基本概念
3. 樂團的經營
4. 個人監聽系統

參考資料／延伸閱讀 (站外)：

1. Roland 專門術語字典
2. Q 毛老師的現場表演經驗分享 - 當代樂手
3. 鼓手與 PA 的關係 (Q 毛老師的分享) - 當代樂手

更新紀錄：

1. 20100828: 初版

開歌, 選歌

歌唱選秀節目裡, 評審常常給參賽者的評語是: 你的歌聲很好, 技巧也不錯, 就是歌選的不好, 所以無法讓你的特色更加的突顯出來, 無法讓你發揮到一定程度 ........


在樂團裡也常會有這樣的情況. 一個 Cover 歌曲的團, 大家選歌時, 有時候落差也會很大. 歌選的適當, 團員大家都可以發揮, 自然表演就可以盡興. 歌選的不好, 就會造成有人覺得太簡單, 有人覺得太難 ..... 然後搭起來, 總是有美中不足的感覺 ~ 或者搭了一年, 狀況還是沒變 .....

所以開歌的時候, 最好每個樂手都要 test 一下歌曲的難易度. 如果歌曲的配器超出現有的編制, 例如歌曲中的間奏 solo 用到 4 種吉他 Tone, 那要怎麼取捨; 歌曲中有很明顯的 string, pad, 等鍵盤音色, 現有配置並沒有鍵盤手, 該怎麼辦? 或者根本沒有吉他, 只有鍵盤, 那現有配置是否應該做調整 ... 等. 基本上類似的概念與 "樂團的經營" 一文的描述類似.


歌曲的種類, 大概簡單分成以下幾種, 開歌的時候, 可以依照自己樂團的編制, 思考該如何取捨, 或者該如何重新配器.

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Metal/Rock:

通常選擇玩搖滾歌曲, 原曲中該團有所謂的 Guitar Hero, Guitar Super Star, Metal Kid, Speed Killer %^&*().... 這一類的歌曲通常有共同的特色:

1. 一定要趁趁趁 - 吉他 Distortion Power Chord, 或者精采的 Guitar Riff
   
2. 一定會有一段精采的 Guitar Solo: Solo 的複雜程度不一.
   

這種歌曲能否 Cover 的成功, 吉他手會是關鍵因素. 所以選這類的歌, 團裡的吉他手, 要先看看自己的狀況, 如果只剩下一小節練不起來, 那可以試看看, 這是練技術很不錯的機會 ~

除了精采的 Solo, 有些歌曲也會有很精采的 Riff, 或者 Dual Guitar Solo ... 所以玩這類的曲子, 吉他手最好先自己 test 一下能否 handling 的過來, 是否能夠把該 Riff 的特色 - 基本表情 - 詮釋的有味道.

另外, Cover 的樂團如果是所謂的前衛金屬, 華麗搖滾之類的, 那重的就不只有吉他, 通常所有樂手配置都很重. 玩這類的曲子, 成員應該都要具備相當程度.

所以大家要稍微面對現實, 別開出來一的堆都是 DT, Angra, X-Japan, Stratovarius .... 之類的, 那會搞死人的. 當然大家如果有心要練這類的歌, 倒是可以一起努力.


POP Rock:

流行搖滾, 通常樂器技巧上不會太難, 樂器 Solo 也不會太多, 比較重視的是歌曲本身氣氛的營造. 所以, 每一個音符都是重點, 包含休止符. 該如何收放很重要, 尤其是段落之間情緒的起伏, 第一段跟第二段彈的東西儘量不要重複, 要有新的東西. 這些細節仔細聽原曲都可以聽到很多編曲者的巧思, 通常幾個點綴的音符, 都會影響歌曲整個的精緻度.


POP Ballad:

一般的慢歌, 感覺營造的比例更高. 所以跟上面的特性類似, 不過比例更重, 特別是主唱的唱功和鍵盤手的鋼琴伴奏功力. 慢歌鍵盤手很重要, 如何跟主唱有默契的對話, 我覺得影響歌曲成敗關係很大.

另外伴奏的方式, 空/滿的掌握, 可以多思考. 曾經聽過一個鍵盤手, 彈慢歌從頭到尾都在琶音的. 說真的, 聽起來整個怪, 沒有輕重, 沒有起伏, 跟機器做出來的差不多.

如果團中只有吉他手, 那麼也是一樣, 要多思考伴奏的一些手法, 同樣的進行, 不同的段落, 可以衍生一些變化, 多利用裝飾和弦 (掛留) 來點綴. Susanna Hoffs - Eternal Flame 是不錯的例子.

然後記得不要搶主唱的風采, 跟主唱心靈交流 (別想太多) ...............

※ 版權所有，謝絕轉載，請尊重著作權法 ※

以上大概是簡單的分類, 有點主觀, 所以大家看看就好 ~~


另外針對以吉他為主的搖滾歌曲, 我個人有把難易度分成五個等地, 我的團在開歌的時候, 通常我會大概用這個標準過濾/篩選一下, 主要還是要讓練團能夠順利進行, 樂手能夠盡情發揮.

難度區分等第大概是這樣：(這邊不包含 Instrument Rock, 像 Steve Vai, Andy Tommons, Eric Johnson ... 等. )

• 1.0 沒聽過也可以直接彈: 通常是一些類似民歌的曲子.
  
  
• 2.0 大概聽過幾次就可以搭團了: 一般簡單的 Power Chord, 簡單 Solo 的曲子.
  
  
• 3.0 要稍微練一下, 有練的話, 幾次搭團應該就可以練起來.
  
  
• 4.0 通常就是以吉他為主的經典歌曲, 像加州大旅館那一類的, 不管是和弦, 還是 Solo 都要下過功夫才行; 或者藍調底的曲子, 像是 You Shook Me All Night Long (AC/DC).
  
  
• 4.5 以上大概就是 Guitar Hero 的代表作之類. 通常會有相當程度的演奏技巧, 有的還會有一堆速彈 + 花俏的技巧 (八指點弦, 掃弦, … 超過兩小節以上). 代表的曲子像加州大旅館, Sweet Child O' Mine, Still Got the Blues, Stairway To Heaven, .... etc, 等都算這類.
  

只是簡單的分類, 因為每個人的程度/狀況不一樣, 所以這是不怎麼客觀. 但是它可以量化一些東西, 所以大家看看就好 ~


延伸閱讀（站內）：

1. 樂團的經營
   
2. 樂團的主唱

[已搬移] 樂團的經營

Updated 2021/08/28: 本文不再維護，已搬移到 新位址