這是在鄉民站 DigitalMusic 版回答版友的文字.
主要是分享一些關於如何用 MIDI 出 "
逼真" 樂器的心得.
本文:
: 最根本的問題，其實是，
: 我要怎麼學 midi 能把它做得儘量逼真呢？
想要把 MIDI 弄得 "逼真", 簡單說:
『
就是要去 "瞭解" 一些該樂器的 "樂器特性"..
能夠去實際 "練習" 該樂器是更有幫助的,
因為練習才能體會箇中的差異. 』
這
段話我想說的是, 想利用 midi 把某個樂器詮釋的逼真,
那就除了 "具備該有的設備, 音源",
之後還要 "付出練習" 該樂器的心力, 和精神.
"具備該有的設備, 音源" 意思就等於學習樂器的人至少要把樂器準備好;
"付出練習" 就等同於擁有該樂器之後, 要花時間練習!!!
很多人都以為 MIDI 要能夠做的逼真, 只要準備高檔音源就好了,
結果弄了一堆音源回來, 結果做出來的東西還是很 "MIDI",
這對 "MIDI" 來講實在是非戰之罪. 聽聽金曲編曲大師的說法: "MIDI 很難聽?"
以下是一些 "
如何把 MIDI 作的逼真" 的重點提示和例子:
以
提琴類 (大中小提琴) 來說, 要去瞭解真實的提琴是怎麼演奏的,
弓法有哪些? 表情有哪些? 他們的聽起來的特色是什麼?
例如演奏弓法:
- 一弓演奏八個音符
- 兩弓演奏八個音符
- 其他弓法 ....
上述兩者聽起來是有差異的.
其他常見的如顫音 (Vibrato), 力度 (Velocity), 撥奏 (Pizzicato), 抖音,
快速顫音 (Tremble), ... 等演奏法均有不同的差異.
例如: 實際上要用 MIDI 來編來編一段小提琴的 Solo,
比較好一點音源同一個音色, 會提供很多不同的演奏表情.
在編這種 Solo 時, 現在的做法有很多方法,
- 同時開很多 Channel, 每個 Channel 就是一種表情, 然後慢慢刻 (programming), 基本上就像是真的演奏一個弦樂團一樣.
- 只用一個 Channel, 然後用 PC (Patch Change) 控制表情變化. 同樣也是慢慢刻.
上述兩種是比較傳統的方式, 現在常見的是以下的方法:
- 利用 Velocity 來控制表情: 現在一些怪物軟體音源 (動不動就幾百 G 的那種) 可利用 Velocity 來控制表情.這些音源可能針對一把小提琴就有數十層的音色分層取樣, 但不是真的 Velocity 的變化而以,大部分會包含其他演奏表情. 所以就可以用一個 Ch 然後控制 Velocity 或其他控制參數來完成這樣的編制.
- Pattern/Pharse 系統: 有一些合成器 (ex: Yamaha MOTIF XS) 也是利用 Velocity 來控制各種不同表情. 因為表情太多不適合直接 realtime "演奏",所以他提供了一些已經設計好的 Pattern/Pharse 來使用.
不過上述兩種方法有一個缺點,
就是原本的 Velocity 已經不是 Velocity 了, 所以怎麼控制好 Velocity 要研究研究! (有點繞舌 XDDD)
------- Copyright © 2008-2010 Rick KY Hwang All rights reserved -------
另外像是用
MIDI 編吉他這種東西, 跟絃樂一樣, 也是要瞭解吉他的 "
樂器特性".
例如: 吉他有六根弦 (同時只會有
六個音延續出現, 鍵盤上有十根手指頭, 還有踏板),
有
同音異弦 (同一個音高, 有不同的音色) 的特性, 上下刷弦的 Timing 差, 演奏噪音 (換和弦產生的擦絃聲), 悶音, 自然/人工泛音, 吉他的共鳴, 音域範圍 (4個八度) ... etc. 先不提電吉他的效果器部分.
最基本的要瞭解吉他的和弦按法, 然後瞭解和弦音的排列, 簡單說就是聲位 (Voicing).
吉他的 Voicing 跟鍵盤差異很大, 所以不能以鍵盤的轉位邏輯來彈吉他,
那彈出來只是個很像鋼琴的吉他而已.
吉他的 C 和弦的五種基本的轉位 (Voicing), 他們的音分別為:
Pattern 1
(Mi 型) | Pattern 2
(Sol 型) | Pattern 3
(La 型) | Pattern 4
(Ti 型) | Pattern 5
(Re 型) |
x ..
x13513 | x ...
x15135 | x ..:
xx5131 | x ...:
151351 | x ..::
xx1513 |
所以用上述的音去編, 加上吉他右手的指法, 才會有一個基本的輪廓.
這邊要強調一點, 吉他有一個特色就是 "同音異弦",
一些以吉他伴奏為主的曲子, 一個和弦裡, 同一個音會出現兩次.
例如: Cmaj7: x15773 = Ti 出現兩次, 這時候編曲者可以利用音源提供的:
- 不同 Velocity 有不同音色來編,
- 或者開兩種吉他音色來編.
這是吉他的樂器特色, 所以如果是做吉他類的演奏曲, 這種細節可以花時間 programming.
※更多吉他和弦聲位請參閱 "吉他和弦聲位的基本概念" 說明
吉他另一個特色就是 "
演奏噪音".
包含右手 Pick/手指撥弦時產生的高頻噪音,
左手按和弦, 移動和弦時摩擦 "粗弦" 的噪音.
如果是電吉他那還要加上 DS/OS 自然的泛音, 回授 ... 等.
還有吉他常見的演奏表情:
搥勾弦, 顫音 (古典式/推弦法), 推弦, 左手悶音, 右手悶音
這些一般都是要從修 CC#11, CC#01, Wheel, Velocity, NRPN & RPN 著手 ..
不過關於實際的音樂製作上, 用 "
MIDI 編吉他"
基本上是
一件自討苦吃的事情. (當然也有一些前輩把 "編吉他" 當練功)
實際上也很少製作人會為了節省預算這樣做.
MIDI 編吉他 最多用一些 phrase/pattern 系統, 像是
Virtual Guitarist 那種 VSTi.
套一些刷刷 chord, riff, power chord, 而實際上的 Guitar Solo, Fill, Riff 還是找真人來錄比較實際.
用一把 2000 塊的吉他麥克風收音 Solo ,
效果會比用高檔的 MIDI 音源編吉他 Solo 輕鬆, 省事很多.
只要吉他手
手上功夫火侯到了, 效果不會太差.
MIDI 編吉他, 跟現在的線上全文翻譯系統一樣,
參考就好, 當然或許未來會有所成長.
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再舉一個編曲常見的樂器 -
爵士鼓 (Drum Set).
鼓算是學 MIDI 編曲時第一個會接觸的東西,
因為他很簡單, 然後重複性很高, 很多時候只要編好四小節,
剩下的用 copy, 然後把段落過們改一改, 就差不多有個樣子了.
但是鼓要編的 "真", 其實除了音源要好 (BFD, EZDrummer, ... etc),
要多瞭解一下真鼓怎麼打, 還有一些鼓的幾本組成, 擺設位置,
更進一步的要瞭解各種鼓的材質, 規格大小.
還有各個年代的聲音, 很多綜合音源都會提供數十種不同音色的鼓組,
他們都各自有適合的曲風.
另外就是編鼓, 是最適合用 Quantize - 拍點自動校正.
但是要做的活一點, 當然要有一點小技巧,
我常用的大概就是利用一些三連音作輪鼓;
利用音源機提供的動態來打 Hi-hat, 或者疊兩種 hi-hat 音色.
實際上鼓的 Hi-hat 聲音變化是很豐富的,
所以編一些 Hi-Hat 的時候, 要想辦法弄得 '髒' 一點,
因為一般鼓音源的 Hi-hat 都太乾淨了 (乾淨到不切實際 XDD),
所以要有真實感, 可以多疊幾個不同 hi-hat 的音色, 來增加動態.
當然如果已經有那種超高動態的音源 (某個音源的 Hi-Hat 有 96 層!!!),
那就不用這樣搞了 ~
同樣的, 小鼓, cymbal, ride, kick, tom 都是類似的 ...
所以想要 '真', 就要多花這些心思去想,
多用很多技巧 .... 這可以省下很多預算,
但是要先衡量自己對於鼓的認識.
當然如果你想錄真鼓, 那想法又不一樣了,
相關的基本概念請參考小弟的心得: "
錄鼓的一些基本概念" 的介紹.
上述三種樂器都提到了 "
樂器特性",
除了這個之外, 另外一點就是樂器的 "
慣用手法".
也就是該樂器的習慣演奏方式.
吉他喜歡在 Re Mi, So La 之間做表情, 喜歡用五和弦, 喜歡用四度和聲 ... 等.
國樂以五聲音階為基礎, 古箏常在某一個音做壓弦;
二胡習慣用滑音連音; 鋼琴 Voicing 常常是密集式的 .... 等 ...
當然演奏方式會隨著不同人有不同的詮釋,
但是大致上來說, 同一個樂器的慣用手法都會很接近.
所以編曲者在聽音樂時, 要多注意這些地方,
用 MIDI 做出來的東西才會 "像" ...
最怕的是用 "鋼琴" 的演奏邏輯來編曲,
通常那聽起來會很 .... 特別 - 就是四不像的意思.
一般來說, 都要先瞭解該樂器的演奏特性,
然後用那些慣用手法,
如果要用 MIDI 控制參數修出來,
都要有相當的經驗 / 耐心 / 還有好的音源,
才可以 "刻" 出一個樣子 ...
現在很多軟體音源除了取樣細緻之外,
很多都標榜有很多 pattern/pharse/loop 可以使用,
其實那些資料庫就是該樂器, 根據不同曲風設計的 "慣用手法" 精華所在.
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當然在 MIDI 編曲中的
音色有 兩個意思: 一個指的是
Acoustic Voice, 也就是
原聲樂器, 基本原則就是要像某一個實際, 真實的樂器. 包含真實樂器的音色, 演奏技巧, 慣用手法, 樂器特性, 等聽覺物理現象. "
MIDI 編曲" 包含詮釋上述的東西, 簡單說, 就是透過 MIDI 去 "
演奏" 該樂器.
所以 "MIDI 編曲" 可以說是用 MIDI 演奏曲子, 而要演奏某種特定樂器之前, 編曲者必須也要瞭解該樂器的基本演奏概念. 如果不瞭解該樂器, 那 MIDI 最後就很容易會變成 "很難聽, 不像, 假" ... 等刻版印象.
當然, MIDI 不一定要 "像" 某個東西, 也能很好聽. 像是 Final Fantasy, 超級瑪莉, ... 等電玩配樂. 相關請見電玩雜誌的報導:
16 年前的回憶 - FFIII 作曲家植松伸夫訪談紀錄
另一種指的是
Style Sound, 簡單說就是適合某種特性風格的音色. 這種聲音不像原聲樂器, 他並沒有特定的演奏技巧, 慣用手法. 他可以天馬行空, 可以天外飛來, 也可以不按牌理出牌, 只要適合該 Style 即可.
這種音色是一種很
創意性的東西, 所以一些鍵盤或者軟體音源裡都會有很多聽起來很奇怪, 而且容易讓人納悶的音色, 不知道要怎麼用, 也不曉得位啥會有這種音色. 簡單說, 他就是 Sound Designer 的創意, 但是需要編曲者 (伯樂) 來幫他找到適合的 Style. 通常這種音色都跟 "電子" 相關曲風有關係, 或者是一種
Loop 應用.
所以編曲面對音色時, 要考慮這是當作
Acoustic 用? 還是一個
Style Sound 來用? 基本的鍵盤 GM 音色介紹可參閱小弟的拙作:
鍵盤音色概述 介紹.
除了音色之外, 學編曲要學什麼? 學 Cubase/Nuendo/Snoar/ProTool/Reason ... 都跟編曲沒什麼關係, 那些都只是在玩軟體/玩工具, 當然這樣說不表示不重要, 畢竟工欲善其事 ... 但是請不要本末倒置.
但是, 我認為學編曲要學的有以下:
- 基礎音樂概念: 包含基礎樂理, 節奏概念等
- 和聲理論: 包含基礎和聲概念, 和聲重配, 代理和弦, 基本歌曲情緒段落 .. 等
- 配器法: 學配器法之前, 要先學習一些編曲常用的樂器/音色特性. 常見樂器簡單說就是 GM 128 種音色/16個 Group 音色特性以及樂器的特性. 然後才是真正的配器法, 也就是樂器的搭配. 例如: 鋼琴和尼龍吉他疊在一起適合作某些方面的效果.
- MIDI 原理/概念: GM 音色群組認識 (鍵盤音色概述), Channel/Track, MIDI Message, MIDI Control, System Exclusive .... 等. 這些東西在現代的外面的教學都不是很重視, 但我覺得這些是玩 MIDI 編曲的內功, 有心接觸的人, 還是要了解基本的運作原理.
- 合成器原理: 基本的 ADSR 概念, LFO, Filter 等原理.
- 效果器/混音概念: 基本的效果器音訊流, 串接概念, 混音頻率概念等
當然這些都要花不少時間研究才能有小成的. 光樂器的認識就有的玩了 ~ (所以我常說玩 MIDI 是一個無底洞 ... )
延伸閱讀（站內）：
- 漫談編曲方法論 - 學術編曲與技術編曲
- CC#07 Main Volume 和 CC#11 Expression
- How to synchronize the MIDI messages between MIDI device and sequencer?
- 聊聊 MIDI Guitar
- 鍵盤音色概述
- 學習雜感
- Loop 的概念與應用實例 - One Nigh in 北京
參考資料 (站外):
- MIDI 很難聽? (當代樂手)
更新紀錄:
- 20090908: 增加 MIDI 編鼓的說明.
- 20090920: 增加 Music Score System, Music Producer System 的說明.
- 20091009: 把 Music Score System, Music Producer System 獨立成專文介紹.
